Artes performáticas
Content
Artistas
Os artistas que participam de artes cênicas na frente de uma audiência são chamadas de artistas. Exemplos disso incluem atores, comediantes, dançarinos, mágicos, artistas de circo, músicos e cantores. As artes cênicas também são apoiadas por trabalhadores em áreas relacionadas, como composição, coreografia e stagecraft. Os artistas costumam adaptar sua aparência, como figurinos e maquiagem de palco, iluminação de palco e som.
Tipos
As artes cênicas podem incluir dança, música, ópera, teatro e teatro musical, magia, ilusão, mímica, palavra falada, marionetes, artes circenses, luta livre e arte performática.
Há também uma forma especializada de belas artes, na qual os artistas realizam seu trabalho ao vivo para uma audiência. Isso é chamado de arte performática. A maioria da arte performática também envolve alguma forma de arte plástica, talvez na criação de adereços. A dança era frequentemente chamada de arte plástica durante a era da dança moderna.
Teatro
O teatro é o ramo das artes cênicas preocupadas em atuar histórias na frente de uma audiência, usando uma combinação de fala, gesto, música, dança, som e espetáculo. Qualquer um ou mais desses elementos é considerado artes cênicas. Além do estilo de diálogo narrativo padrão de peças, o teatro assume formas como peças de teatro, musicais, ópera, balé, ilusão, mímica, dança indiana clássica, kabuki, peças de teatro, teatro improvisado, comédia, pantomima e não-convencional ou Formas contemporâneas como teatro pós -moderno, teatro pós -dramático ou arte performática.
Dança
No contexto das artes cênicas, a dança geralmente se refere ao movimento humano, geralmente rítmico e à música, usada como uma forma de entretenimento de público em um ambiente de apresentação. As definições do que constitui dança dependem de restrições sociais, culturais, estéticas, artísticas e morais e variam do movimento funcional (como dança folclórica) a técnicas codificadas e virtuosas, como o balé.
Há uma outra forma moderna de dança que surgiu no século XIX a 20 com o nome do estilo de dança livre. Essa forma de dança foi estruturada para criar uma personalidade harmoniosa que incluía características como liberdade física e espiritual. Isadora Duncan foi a primeira dançarina que discutiu sobre "mulher do futuro" e desenvolveu um novo vetor de coreografia usando a idéia de "Mente Suprema em Nietzsche na mente livre". <3
A dança é um impulso poderoso, mas a arte da dança é que o impulso canalizado por artistas hábil em algo que se torna intensamente expressivo e que pode encantar os espectadores que não desejam dançar a si mesmos. Esses dois conceitos da arte da dança - dance como um impulso poderoso e da dança como uma arte habilmente coreografada praticada em grande parte por poucos profissionais - são as duas idéias de conexão mais importantes que estão considerando qualquer consideração do assunto. Na dança, a conexão entre os dois conceitos é mais forte do que em algumas outras artes, e nenhum deles pode existir sem o outro.
A coreografia é a arte de fazer danças, e a pessoa que pratica essa arte é chamada de coreógrafa.
Música
A música é uma forma de arte que combina pitch, ritmo e dinâmico para criar som. Ele pode ser realizado usando uma variedade de instrumentos e estilos e é dividido em gêneros como folk, jazz, hip hop, pop e rock etc. Como forma de arte, a música pode ocorrer em formatos ao vivo ou gravados e pode ser planejado ou improvisado.
Como a música é uma arte proteana, ela coordena facilmente com as palavras para músicas como movimentos físicos fazem na dança. Além disso, ele tem uma capacidade de moldar comportamentos humanos, pois afeta nossas emoções.
História
Artes cênicas ocidentais
A partir do século VI aC, o período clássico de arte começou na Grécia, inaugurado pelos trágicos poetas como Sófocles. Esses poetas escreveram peças que, em alguns casos, incorporaram dança (ver Eurípides). O período helenístico começou o uso generalizado da comédia.
No entanto, no século VI dC, as artes cênicas ocidentais haviam sido amplamente terminadas, quando a idade das trevas começou. Entre o século IX e o século XIX, a realização de arte no Ocidente foi limitada a promulgações históricas e peças de moralidade religiosas, organizadas pela Igreja em comemoração aos dias sagrados e outros eventos importantes.
RenaissanceNo século XV, as artes cênicas, juntamente com as artes em geral, viram um renascimento quando o Renascimento começou na Itália e se espalhar por toda a Europa, algumas das quais incorporaram dança, que foram realizadas e Domenico da Piacenza creditado com o primeiro uso do termo Ballo (em De Arte Salandi et Choreas Ducendi) em vez de Danza (dança) por seu Baletti ou Balli. O termo acabou se tornando balé. Pensa -se que o primeiro balé por si só seja o balé de Balthasar de Beaujoyeulx Comique de la Reine (1581).
Em meados do século XVI, a Commedia Dell'arte tornou-se popular na Europa, introduzindo o uso da improvisação. Esse período também introduziu a máscara elizabetana, com música, dança e figurinos elaborados, além de empresas teatrais profissionais na Inglaterra. As peças de William Shakespeare no final do século XVI se desenvolveram a partir dessa nova classe de desempenho profissional.
Em 1597, a primeira ópera, Dafne foi realizada e, ao longo do século XVII, a ópera se tornaria rapidamente o entretenimento de escolha para a aristocracia na maior parte da Europa e, eventualmente, para um grande número de pessoas que vivem em cidades da Europa.
Modern eraA introdução do arco do proscênio na Itália durante o século XVII estabeleceu a forma de teatro tradicional que persiste até hoje. Enquanto isso, na Inglaterra, os puritanos proibiram a atuação, interrompendo as artes cênicas que duraram até 1660. Depois disso, as mulheres começaram a aparecer nas peças de francês e inglês. Os franceses introduziram uma instrução formal de dança no final do século XVII.
É também durante esse período que as primeiras peças foram realizadas nas colônias americanas.
Durante o século XVIII, a introdução da popular ópera buffa trouxe ópera para as massas como uma forma acessível de desempenho. O casamento de Mozart de Figaro e Don Giovanni são marcos da ópera do final do século XVIII.
Na virada do século XIX, Beethoven e o movimento romântico introduziram uma nova era que levou primeiro aos espetáculos da Grand Opera e depois aos dramas musicais de Giuseppe Verdi e ao Gesamtkunstwerk (obra total de arte) das óperas de Richard Wagner que leva diretamente à música do século XX.
O século XIX foi um período de crescimento para as artes cênicas para todas as classes sociais, avanços técnicos, como a introdução do Gaslight nos cinemas, burlescos, dança de menestrel e teatro de variedades. No balé, as mulheres fazem um grande progresso na arte anteriormente dominada por homens.
A dança moderna começou no final do século XIX e início do século XX em resposta às restrições do balé tradicional. A chegada dos balés de Sergei Diaghilev Russes (1909-1929) revolucionou o balé e as artes cênicas em geral em todo o mundo ocidental, o mais importante através da ênfase de Diaghilev em colaboração, que juntou coreógrafos, dançarinos, cenários/artistas, compositores e músicos para revitalizar e revolucionar o balé. É extremamente complexo.
O "sistema" de Konstantin Stanislavski revolucionou a atuação no início do século XX e continua a ter uma grande influência sobre os atores do palco e da tela para o dia atual. Tanto o impressionismo quanto o realismo moderno foram introduzidos no palco durante esse período.
Com a invenção do filme no final do século XIX por Thomas Edison e o crescimento da indústria cinematográfica em Hollywood no início do século XX, o cinema se tornou um meio de performance dominante nos séculos XX e 21.
Rhythm and Blues, um fenômeno cultural da América Negra, ganhou destaque no início do século XX; influenciando uma variedade de estilos de música populares posteriores internacionalmente.
Na década de 1930, Jean Rosenthal introduziu o que se tornaria iluminação moderna, mudando a natureza do palco à medida que o musical da Broadway se tornou um fenômeno nos Estados Unidos.
PostwarAs artes cênicas pós-Segunda Guerra Mundial foram destacadas pelo ressurgimento do balé e da ópera no mundo ocidental.
O pós -modernismo em artes cênicas dominou a década de 1960 em grande parte. [Citação necessária]
Artes cênicas orientais
Middle EastO primeiro evento teatral registrado remonta a 2000 aC com as peças de paixão do Egito antigo. A história do deus Osíris era realizada anualmente em festivais durante toda a civilização, marcando o começo conhecido de uma longa relação entre teatro e religião.
As formas mais populares de teatro no mundo islâmico medieval eram o The Puppet Theatre (que incluía fantoches de mão, peças de obra e produções de Marionette) e peças de paixão ao vivo conhecidas como Ta'ziya, onde os atores reencenam episódios da história muçulmana. Em particular, as peças xiitas islâmicas giravam em torno da Shaheed (martírio) dos filhos de Ali, Hasan Ibn Ali e Husayn Ibn Ali. As peças seculares ao vivo eram conhecidas como Akhraja, registradas na literatura medieval do ADAB, embora fossem menos comuns que o teatro Ta'ziya.
No Irã, existem outras formas de eventos teatrais, como Naghali ou Naqqqāli (contando histórias), ٰ Ru-howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani e Mareke Giri. Antes do século XX, a narrativa era a forma mais reconhecida de entretenimento, embora hoje, algumas formas ainda permaneçam. Uma forma, Naghali, era tradicionalmente realizada em cafeterias onde os contadores de histórias, ou Naghals (Naqqāls), apenas recitavam seções de uma história de cada vez, mantendo assim o cliente regular. Essas histórias foram baseadas em eventos de importância histórica ou religiosa e muitas poesia referenciadas do Shahnameh. Muitas vezes, essas histórias foram alteradas para se relacionar com a atmosfera ou o humor da platéia.
India
O teatro folclórico e os dramatizados podem ser atribuídos ao ritualismo religioso dos povos védicos no 2º milênio aC. Esse teatro folclórico do passado enevoado foi misturado com dança, comida, ritualismo, além de uma representação de eventos da vida cotidiana. O último elemento o tornou a origem do teatro clássico dos tempos posteriores. Muitos historiadores, principalmente D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., se referiram à prevalência de ritualismo entre as tribos indo-arianas nas quais alguns membros da tribo agiam como se fossem animais selvagens e outros eram os caçadores. Aqueles que agiam como mamíferos como cabras, búfalos, renas, macacos etc. foram perseguidos por aqueles que desempenhavam o papel de caçadores.
Bharata Muni (Fl. V 5 a 2 aC) era um antigo escritor indiano mais conhecido por escrever o Natya Shastra de Bharata, um tratado teórico sobre artes cênicas indianas, incluindo teatro, dança, atuação e música, que foi comparado ao Aristotle's Poético. Bharata é frequentemente conhecida como pai das artes teatrais indianas. Seu Natya Shastra parece ser a primeira tentativa de desenvolver a técnica, ou melhor, a arte, do drama de maneira sistemática. O Natya Shastra nos diz não apenas o que deve ser retratado em um drama, mas como o retrato deve ser feito. O drama, como diz Bharata Muni, é a imitação de homens e suas ações (Loka-vritti). Como os homens e seus atos precisam ser respeitados no palco, então o drama em sânscrito também é conhecido pelo termo roopaka, que significa retratar.
O Ramayana e Mahabharata podem ser considerados as primeiras peças reconhecidas que se originaram na Índia. Esses épicos forneceram a inspiração para os primeiros dramaturgos indianos e eles fazem isso até hoje. Dramateiros indianos como Bhāsa no século III aC escreveram peças que foram fortemente inspiradas pelo Ramayana e Mahabharata.
Kālidāsa no século I aC, é indiscutivelmente considerado o maior dramaturgo da Índia antiga. Três peças românticas famosas escritas por Kālidāsa são o Mālavikāgnimitram (Mālavikā e Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (referente a Vikrama e Urvashi) e Abhijñānaśākuntala (o reconhecimento de Shakuntala). O último foi inspirado por uma história no Mahabharata e é a mais famosa. Foi o primeiro a ser traduzido para o inglês e o alemão. Em comparação com Bhāsa, que se retirou dos épicos, Kālidāsa pode ser considerado um dramaturgo original.
O próximo grande dramaturgo indiano foi Bhavabhuti (c. Século VII). Diz-se que ele escreveu as três peças a seguir: Malati-Madhava, Mahaviracharita e Uttar Ramacharita. Entre esses três, os dois últimos cobrem entre eles, todo o épico de Ramayana. O poderoso imperador indiano Harsha (606-648) é creditado por ter escrito três peças: a comédia Ratnavali, Priyadarsika e o drama budista Nagananda. Muitos outros dramaturgos seguiram durante a Idade Média.
Havia muitas formas de arte de performance na parte sul da Índia, Kerala é um estado com diferentes formas de arte como Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar Koothu, Thirayattam e havia muitos artistas de destaque como Painkulam Raman Chakyar e outros.
China
Há referências a entretenimentos teatrais na China já em 1500 aC durante a dinastia Shang; Eles geralmente envolviam músicas, palhaços e exibições acrobáticas.
A dinastia Tang às vezes é conhecida como "a idade de 1000 entretenimentos". Durante essa época, o imperador Xuanzong formou uma escola de atriz conhecida como The Children of the Pear Garden para produzir uma forma de drama que era principalmente musical.
Durante a dinastia Han, a Shadow Puples emergiu pela primeira vez como uma forma reconhecida de teatro na China. Havia duas formas distintas de fantoches de sombra, o sul do sul e o norte do cantonês. Os dois estilos foram diferenciados pelo método de fazer os bonecos e o posicionamento das hastes nos bonecos, em oposição ao tipo de jogo realizado pelos bonecos. Ambos os estilos geralmente realizavam peças que representavam grande aventura e fantasia, raramente essa forma muito estilizada de teatro usada para propaganda política. Os fantoches das sombras cantonês eram os maiores dos dois. Eles foram construídos usando couro grosso que criou sombras mais substanciais. A cor simbólica também era muito prevalente; Um rosto preto representava honestidade, uma coragem vermelha. As hastes usadas para controlar fantoches cantonesas foram presas perpendiculares às cabeças dos bonecos. Assim, eles não foram vistos pelo público quando a sombra foi criada. Os fantoches de Pekingese eram mais delicados e menores. Eles foram criados a partir de couro fino e translúcido, geralmente retirado da barriga de um burro. Eles foram pintados com tintas vibrantes, assim lançam uma sombra muito colorida. As hastes finas que controlavam seus movimentos foram presas a uma gola de couro no pescoço do boneco. As hastes corriam paralelas aos corpos do boneco e depois giravam em um ângulo de noventa graus para se conectar ao pescoço. Enquanto essas hastes eram visíveis quando a sombra foi lançada, elas deitaram do lado de fora da sombra do fantoche; Assim, eles não interferiram na aparência da figura. As hastes presas no pescoço para facilitar o uso de várias cabeças com um corpo. Quando as cabeças não estavam sendo usadas, elas foram armazenadas em um livro de musselina ou caixa forrada de tecido. As cabeças sempre foram removidas à noite. Isso estava de acordo com a antiga superstição de que, se deixasse intacto, os bonecos ganhassem vida à noite. Alguns marionetistas chegaram ao ponto de guardar as cabeças em um livro e os corpos em outro, para reduzir ainda mais a possibilidade de reanimar fantoches. Diz -se que a Sombrige Puples atingiu seu ponto mais alto de desenvolvimento artístico no século 11, antes de se tornar uma ferramenta do governo.
Na dinastia Song, havia muitas peças populares envolvendo acrobacias e música. Estes se desenvolveram na dinastia Yuan em uma forma mais sofisticada com uma estrutura de quatro ou cinco atos. O drama Yuan se espalhou pela China e diversificado em inúmeras formas regionais, a mais conhecida das quais é a ópera de Pequim, que ainda é popular hoje.
Thailand
Na Tailândia, tem sido uma tradição da Idade Média a peças de teatro com base em tramas extraídas dos épicos indianos. Em particular, a versão teatral do épico nacional da Tailândia Ramakien, uma versão do Ramayana indiano, permanece popular na Tailândia até hoje.
CambodiaNo Camboja, as inscrições que datam do século VI dC indicam evidências de dançarinos em um templo local e usando fantoches para peças religiosas. Na antiga capital Angkor Wat, histórias dos épicos indianos Ramayana e Mahabharata foram esculpidos nas paredes de templos e palácios. Relevos semelhantes são encontrados em Borobudur na Indonésia.
PhilippinesNas Filipinas, o famoso poema épico Ibong Adarna, originalmente intitulado "Korido em Buhay na pinagdaanan ng tatlong prinsipeng magkakapatid na anak nina Haring Fernando em Reyna Valeriana Sa Kaharian (Inglês:" Corrido e Life Liviled Liviled the Três Princípios Princípios, de Inglês: "Corrido e Life por Life Liviled the Três Princípios Princípios, de Inglês:" Corrido e Life por Life Liviled the Princhers TRIMENSAIS PRINCRIMENTOS DA PRINCRIMENTO DO ENGRIMENTO: " O rei Fernando e a rainha Valeriana no reino da Berbania ") do século XVI foram escritos por José de la Cruz durante a era espanhola. Além das performances teatrais, diferentes filmes foram produzidos por diferentes estúdios de cinema/ produções televisivas. O primeiro filme produzido "Ang Ibong Adarna" foi produzido pela LVN Pictures, o maior estúdio de cinema da história das Filipinas.
Florante, em Laura, é um "awit" ou um poema que consiste em quadras de 12 sílabas com o título completo "Pinagdaanang Buhay Ni Florante em Ni Laura Sa Kaharian Albanya" (Inglês: "A História de Florante e Laura no Reino da Albânia") foi escrito por Francisco Balagtas em 1838, durante sua prisão dedicada à sua namorada Maria Asuncuion Rivera (apelidado de "M.A.R.", referenciado como "Selya"). O poema tem uma parte especial intitulada "Kay Selya" (inglês: "para Celia") especialmente dedicada a Rivera.
O herói nacional das Filipinas, José Rizal, que também é romancista, criou os dois poemas famosos nas Filipinas, Noli Me Tángere (latim para "touch me não", com um sotaque agudo adicionado na palavra final de acordo com a ortografia espanhola) ( 1887) que descreve as desigualdades percebidas dos frades católicos espanhóis e do governo governante e El Filibusterismo (traduções: o filibusterismo; o subversivo ou a subversão, como na tradução em inglês Locsín, também são possíveis traduções, também conhecidas por seu título alternativo em inglês, Reinado de ganância) (1891). O tema sombrio do romance parte dramaticamente da atmosfera esperançosa e romântica do romance anterior, significando o recurso de Ibarra a resolver os problemas de seu país por meios violentos, depois de sua tentativa anterior de reformar o sistema do país, não causou efeito e parecia impossível com a atitude corrupta dos espanhóis em relação os filipinos. Esses romances foram escritos durante a colonização das Filipinas pelo Império Espanhol.
Todas essas peças literárias estavam sob o currículo do programa K-12 para escolas secundárias, Ibong Adarna está sob o currículo de grau 7; Florante em Laura (grau 8); Noli me tángere (grau 9); e El Filibusterismo (Grau 10).
Japan
Durante o século 14, havia pequenas empresas de atores no Japão que realizaram comédias curtas, às vezes vulgares. Diretor de uma dessas empresas, Kan'ami (1333-1384), teve um filho, Zeami Motokiyo (1363-1443), que foi considerado um dos melhores atores infantis do Japão. Quando a empresa de Kan'ami se apresentou para Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), o Shōgun do Japão, ele implorou a Zeami que tivesse uma educação judicial para suas artes. Depois que Zeami sucedeu seu pai, ele continuou a se apresentar e adaptar seu estilo no que hoje é NOH. Uma mistura de pantomima e acrobacias vocais, o estilo NOH de teatro se tornou uma das formas mais refinadas do Japão de performance teatral.
O Japão, após um longo período de guerras civis e desordem política, foi unificada e em paz principalmente devido a Shōgun Tokugawa Ieyasu (1600-1668). No entanto, alarmados com o crescente número de cristãos dentro do país devido aos esforços de proselitismo dos missionários cristãos, ele interrompeu o contato do Japão para a Europa e a China e proibiu o cristianismo. Quando a paz chegou, um floreio de influência cultural e a crescente classe de comerciantes exigiam seu próprio entretenimento. A primeira forma de teatro a florescer foi Ningyō Jōruri (comumente referido como Bunraku). O fundador e o principal colaborador de Ningyō Jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653-1725), transformou sua forma de teatro em uma verdadeira forma de arte. Ningyō Jōruri é uma forma de teatro altamente estilizada usando fantoches, hoje cerca de 1⁄3rd do tamanho de um humano. Os homens que controlam os fantoches treinam a vida inteira para se tornarem mestres marionetistas, quando podem operar a cabeça do boneco e o braço direito e optar por mostrar seus rostos durante a apresentação. Os outros marionetistas, controlando os membros menos importantes do boneco, cobrem a si mesmos e seus rostos em um traje preto, para implicar sua invisibilidade. O diálogo é tratado por uma única pessoa, que usa tons variados de voz e maneiras de falar para simular diferentes personagens. Chikamatsu escreveu milhares de peças durante sua vida, a maioria dos quais ainda é usada hoje.
Kabuki começou logo após Bunraku, a lenda por uma atriz chamada Okuni, que morava no final do século XVI. A maior parte do material de Kabuki veio de Noh e Bunraku, e seus movimentos irregulares do tipo dançarina também são um efeito de Bunraku. No entanto, Kabuki é menos formal e mais distante que Noh, mas muito popular entre o público japonês. Os atores são treinados em muitas coisas variadas, incluindo dança, canto, pantomima e até acrobacias. Kabuki foi realizado pela primeira vez por meninas, depois por meninos e, no final do século XVI, as empresas Kabuki consistiam em todos os homens. Os homens que retratavam as mulheres no palco foram treinados especificamente para obter a essência de uma mulher em seus movimentos e gestos sutis.
História das Artes Cênicas Africanas
História das artes cênicas nas Américas
História das Artes Cênicas na Oceania
Muitas vezes, a dança melanesiana exibe um tema cultural de masculinidade, onde a liderança e um conjunto de habilidades únicos são importantes para compartilhar com a comunidade. Essas danças demonstram o soldado de um homem, mas também podem representar a lucratividade, como incentivar resoluções de conflitos ou cura. Os figurinos de se passar por dançarinos incorporam grandes máscaras e características do tipo injusto que agem para imitar figuras míticas. A música também pode atuar como uma voz para essas personas mágicas.
Veja também
Arts portal