Compositor
Content
Etimologia e definição
O termo é descendente de latim, Compōnō; literalmente "alguém que se reúne". O uso mais antigo do termo em um contexto musical dado pelo Oxford English Dictionary é de 1597 de Thomas Morley uma introdução simples e fácil à música prática, onde ele diz: "Alguns vão ser bons descedentes [...] e ainda assim Wil Seja apenas compositores ruins ".
O termo "compositor" é frequentemente usado para se referir a compositores de música instrumental, como os encontrados em clássicos, jazz ou outras formas de arte e música tradicional. Na música popular e folclórica, o compositor geralmente é chamado de compositor, já que a música geralmente assume a forma de uma música. Desde meados do século XX, o termo se expandiu para acomodar criadores de música eletroacústica, na qual os compositores criam diretamente material sônico em qualquer uma das várias mídias eletrônicas, como fita de bobina a bobina e unidades de efeitos eletrônicos, que podem ser apresentados para uma audiência repetindo uma fita ou outra gravação de som ou com instrumentistas e cantores ao vivo se apresentam com material pré -gravado. Isso é distinto de uma concepção do século XIX de composição instrumental, onde o trabalho foi representado apenas por uma partitura musical a ser interpretada pelos artistas.
O nível de distinção entre compositores e outros músicos varia, o que afeta questões como direitos autorais [especificar] e a deferência dada a interpretações individuais de uma determinada peça de música. [Citação necessária] No desenvolvimento da música clássica européia, a função da composição A música inicialmente não tinha muito maior importância do que a de executá -la. [Citação necessária] A preservação de composições individuais não recebeu uma enorme atenção e os músicos geralmente não tinham escrúpulos em modificar composições para o desempenho. No momento em que o papel do compositor na música da arte ocidental viu solidificação contínua, em idiomas alternativos (isto é, jazz, música experimental), ela se tornou, de certa forma, cada vez mais complexa ou vaga. Por exemplo, em certos contextos, a linha entre compositor e intérprete, designer de som, arranjador, produtor e outros papéis pode ser bastante borrada.
Papel no mundo ocidental
Relacionamento com artistas
No mundo ocidental, antes do período romântico do século XIX, a composição quase sempre era lado a lado com uma combinação de canto, instrução e teorização.
Mesmo em uma peça de música instrumental convencional, na qual todas as melodias, acordes e linhas de baixo são escritos em notação musical, o artista tem um grau de latitude para adicionar interpretação artística à obra, por meio de meios como variando dele ou sua articulação e fraseado, escolhendo quanto tempo fazer fermatas (notas mantidas) ou pausas e - no caso de instrumentos de cordas curvados, sopros de madeira ou instrumentos de latão - decidindo usar efeitos expressivos como vibrato ou porto. Para um cantor ou artista instrumental, o processo de decidir como executar músicas que foi composto anteriormente e notado é denominado "interpretação". As interpretações de diferentes artistas do mesmo trabalho de música podem variar amplamente, em termos de tempos escolhidos e o estilo de tocar ou cantar ou fraseado das melodias. Compositores e compositores que apresentam sua música estão interpretando, tanto quanto aqueles que tocam a música de outras pessoas. O corpo padrão de opções e técnicas presentes em um determinado momento e um determinado local é chamado de prática de desempenho, enquanto a interpretação geralmente é usada para significar as escolhas individuais de um artista. [Citação necessária]
Embora uma composição musical geralmente tenha um único autor, esse nem sempre é o caso. Uma obra de música pode ter vários compositores, que geralmente ocorre na música popular quando uma banda colabora para escrever uma música, ou em teatro musical, onde as músicas podem ser escritas por uma pessoa, a orquestração das partes do acompanhamento e a escrita da abertura é feito por um orquestrador e as palavras podem ser escritas por uma terceira pessoa.
Uma peça musical também pode ser composta com palavras, imagens ou, no século XX e 21, programas de computador que explicam ou notam como o cantor ou músico deve criar sons musicais. Exemplos dessa faixa de ventos de sinalizando de uma brisa, a música de vanguarda do século XX que usa notação gráfica, para composições de texto como Aus den Sieben Tagen, para programas de computador que selecionam sons para peças musicais. A música que faz uso pesado de aleatoriedade e acaso é chamada de música aleatórica e está associada a compositores contemporâneos ativos no século XX, como John Cage, Morton Feldman e Witold Lutosławski.
A natureza e os meios de variação individual da música são variados, dependendo da cultura musical no país e do período em que foi escrito. Por exemplo, a música composta na era barroca, particularmente em ritmos lentos, geralmente era escrita em contorno nu, com a expectativa de que o artista acrescentasse ornamentos improvisados à linha da melodia durante uma apresentação. Essa liberdade geralmente diminuiu nas épocas posteriores, correlacionando -se com o aumento do uso por compositores de pontuação mais detalhada na forma de dinâmica, articulação etc. Os compositores se tornam uniformemente mais explícitos em como desejavam que sua música fosse interpretada, embora quão rigorosamente e minuciosamente sejam ditados varie de um compositor para outro. Devido a essa tendência de os compositores se tornarem cada vez mais específicos e detalhados em suas instruções para o artista, uma cultura acabou se desenvolvendo pela qual a fidelidade à intenção por escrito do compositor passou a ser altamente valorizada (veja, por exemplo, edição de urtext). Essa cultura musical está quase certamente relacionada à alta estima (fronteira com a veneração), na qual os principais compositores clássicos são frequentemente mantidos por artistas.
O movimento de desempenho historicamente informado reviveu até certo ponto a possibilidade de o artista elaborar seriamente a música, conforme dado na partitura, principalmente para música barroca e música desde o início do período clássico. O movimento pode ser considerado uma maneira de criar uma maior fidelidade ao original em obras compostas em um momento que esperava que os artistas improvisassem. Em outros gêneros que não a música clássica, o artista geralmente tem mais liberdade; Assim, por exemplo, quando um artista da música popular ocidental cria uma "capa" de uma música anterior, há pouca expectativa de versão exata do original; A fidelidade exata também não é necessariamente altamente valorizada (com a possível exceção das transcrições de "nota por nota" de solos de guitarra famosos).
Na música de arte ocidental, o compositor normalmente orquestra suas composições, mas no teatro musical e na música pop, os compositores podem contratar um arranjador para fazer a orquestração. Em alguns casos, um compositor pop pode não usar a notação e, em vez disso, compor a música em sua mente e depois tocar ou gravar -a da memória. No jazz e na música popular, gravações notáveis de artistas influentes recebem o peso que as pontuações escritas tocam na música clássica. O estudo da composição tem sido tradicionalmente dominado pelo exame de métodos e prática da música clássica ocidental, mas a definição de composição é ampla o suficiente a criação de canções de música popular e tradicional e peças instrumentais e incluir trabalhos espontaneamente improvisados como os de artistas de jazz gratuitos e percussionistas africanos, como bateristas de ovelha.
História do emprego
Durante a Idade Média, a maioria dos compositores trabalhava para a Igreja Católica e compôs música para serviços religiosos, como melodias paisecutivas. Durante a era da música renascentista, os compositores normalmente trabalhavam para empregadores aristocráticos. Enquanto os aristocratas normalmente exigiam que os compositores produzissem uma quantidade significativa de música religiosa, como massas, os compositores também escreveram muitas músicas não religiosas sobre o tópico do amor cortesível: o respeitoso e reverencial amor de uma grande mulher de longe. As canções de amor cortes de amor eram muito populares durante a era renascentista. Durante a era da música barroca, muitos compositores foram empregados por aristocratas ou como funcionários da igreja. Durante o período clássico, os compositores começaram a organizar mais concertos públicos para lucro, o que ajudou os compositores a serem menos dependentes de empregos aristocráticos ou da igreja. Essa tendência continuou na era da música romântica no século XIX. No século XX, os compositores começaram a procurar emprego como professores em universidades e conservatórios. No século XX, os compositores também ganharam dinheiro com as vendas de suas obras, como publicações de partituras de suas músicas ou peças ou como gravações sonoras de suas obras.
Papel das mulheres
Em 1993, o musicólogo americano Marcia Citron perguntou "[w] hy é música composta por mulheres tão marginais ao repertório" clássico "padrão?" Citron "examina as práticas e atitudes que levaram à exclusão de mulheres compositores do 'cânone' recebido de obras musicais realizadas". Ela argumenta que, nos anos 1800, as mulheres compositores normalmente escrevem músicas de arte para performance em pequenos recitais, em vez de sinfonias destinadas à apresentação com uma orquestra em um grande salão, com as últimas obras sendo vistas como o gênero mais importante para os compositores; Como as mulheres compositores não escreveram muitas sinfonias, elas foram consideradas notáveis como compositores.
Segundo Abbey Philips, "as mulheres músicas tiveram dificuldades muito difíceis de romper e obter o crédito que merecem". Durante as épocas medievais, a maior parte da música artística foi criada para fins litúrgicos (religiosos) e devido às opiniões sobre os papéis das mulheres que eram mantidas por líderes religiosos, poucas mulheres compunham esse tipo de música, com a freira Hildegard von Bingen sendo entre as exceções. A maioria dos livros de universidades sobre a história da música discutem quase exclusivamente o papel dos compositores do sexo masculino. Além disso, muito poucas obras de mulheres compositores fazem parte do repertório padrão da música clássica. Na história da música concisa de Oxford, "Clara Shumann [sic] é uma das únicas compositores mencionadas", mas outras mulheres compositores notáveis do período de prática comum incluem Fanny Mendelssohn e Cécile Chaminade e, sem dúvida, o professor mais influente de compositores durante o Meados do século XX, Nadia Boulanger. [Citação necessária] Philips afirma que "[d] no século XX, as mulheres que estavam compondo/tocando ganharam muito menos atenção do que seus colegas masculinos".
Hoje, as mulheres estão sendo levadas mais a sério no campo da música de concertos, embora as estatísticas de reconhecimento, prêmios, emprego e oportunidades gerais ainda sejam tendenciosos para os homens.
Clustering
Compositores famosos tendem a se agrupar em cidades específicas ao longo da história. Com base em mais de 12.000 compositores de destaque listados na Grove Music online e no uso de técnicas de medição de contagem de palavras, as cidades mais importantes para a música clássica podem ser identificadas quantitativamente.
Paris tem sido o principal centro para a música clássica ocidental em todos os períodos. Foi classificado em quinto lugar nos séculos XV e XVI, mas primeiro nos séculos XVII a XX, inclusivo. Londres foi a segunda cidade mais significativa: oitavo no século XV, sétimo no século XVI, quinto no século XVII, segundo nos séculos XVIII e XIX e quarto no século XX. Roma liderou o ranking no século XV, caiu para o segundo nos séculos XVI e XVII, oitava no século XVIII, nono no século XIX, mas de volta ao sexto no século XX. Berlim aparece no ranking dos dez primeiros apenas no século XVIII e ficou em terceira cidade mais importante nos séculos XIX e XX. A cidade de Nova York entrou no ranking no século XIX (em quinto lugar) e ficou no segundo posto no século XX. Os padrões são muito semelhantes para uma amostra de 522 compositores superiores.
Treinamento moderno
Os compositores clássicos profissionais geralmente têm experiência em tocar música clássica durante a infância e os adolescentes, como cantor de coral, como jogador em uma orquestra juvenil, ou como artista em um instrumento solo (por exemplo, piano, órgão de tubos, ou violino). Os adolescentes que aspiram a ser compositores podem continuar seus estudos pós -secundários em uma variedade de contextos formais de treinamento, incluindo faculdades, conservatórios e universidades. Os conservatórios, que são o sistema de treinamento musical padrão na França e em Quebec, o Canadá fornece aulas e experiência de canto orquestral e coral para estudantes de composição. As universidades oferecem uma variedade de programas de composição, incluindo diplomas de bacharel, mestrado em música e doutorado em artes musicais. Além disso, existem vários outros programas de treinamento, como acampamentos de verão clássicos e festivais, que oferecem aos alunos a oportunidade de obter treinamento de compositores.
Estudante universitário
Bacharelado em composição (referido como B.Mus. Ou B.M) são programas de quatro anos que incluem aulas de composição individuais, experiência de orquestra/coral amador e uma sequência de cursos em história da música, teoria musical e cursos de artes liberais (por exemplo , Literatura inglesa), que dão ao aluno uma educação mais completa. Geralmente, os alunos de composição devem concluir peças ou músicas significativas antes de se formar. Nem todos os compositores mantêm um B.Mus. em composição; Os compositores também podem conter um B.Mus. na performance musical ou na teoria musical.
Mestres
Mestrado em Música (M.Mus.) Em composição consiste em aulas particulares com um professor de composição, experiência de conjunto e cursos de pós -graduação em história da música e teoria musical, juntamente com um ou dois shows com as peças do estudante de composição. Um mestrado em música (referido como M.Mus. Ou M.M.) é frequentemente uma credencial mínima exigida para pessoas que desejam ensinar composição em uma universidade ou conservatório. Um compositor com um M.Mus. poderia ser um professor ou instrutor adjunto de uma universidade, mas seria difícil nos anos 2010 obter uma posição de professor de trilha de posse com esse diploma.
Doutoral
Para se tornar um professor de trilha de posse, muitas universidades exigem doutorado. Em composição, o principal diploma de doutorado é o Doutor em Artes Musicais, e não o PhD; O doutorado é concedido na música, mas normalmente para assuntos como musicologia e teoria musical.
Doutor em Artes Musicais (referido como D.M.A., DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D) em composição oferecem uma oportunidade de estudo avançado no nível artístico e pedagógico mais alto, exigindo geralmente mais 54 horas de crédito adicionais Além de um mestrado (que tem mais de 30 créditos além de um diploma de bacharel). Por esse motivo, a admissão é altamente seletiva. Os alunos devem enviar exemplos de suas composições. Se disponível, algumas escolas também aceitam gravações em vídeo ou áudio das performances das peças do aluno. São necessários exames na história da música, teoria musical, treinamento/ditado no ouvido e um exame de admissão.
Os alunos devem preparar composições significativas sob a orientação de professores de composição do corpo docente. Algumas escolas exigem que os alunos de composição da DMA apresentem concertos de suas obras, que normalmente são realizadas por cantores ou músicos da escola. A conclusão dos cursos avançados e uma média B mínima são outros requisitos típicos de um programa D.M.A. Durante um D.M.A. Programa, um estudante de composição pode ter experiência em ensinar estudantes de graduação em música.
Outras rotas
Alguns compositores não concluíram os programas de composição, mas concentraram seus estudos no desempenho da voz ou um instrumento ou na teoria musical e desenvolveram suas habilidades de composição ao longo de uma carreira em outra ocupação musical.
Veja também
Music portal