História da arte

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Metodologias

A história da arte é uma prática interdisciplinar que analisa os vários fatores - culturais, políticos, religiosos, econômicos ou artísticos - que contribuem para a aparência visual de uma obra de arte.

Os historiadores da arte empregam vários métodos em suas pesquisas sobre a ontologia e história dos objetos.

Os historiadores da arte costumam examinar o trabalho no contexto de seu tempo. Na melhor das hipóteses, isso é feito de uma maneira que respeita as motivações e os imperativos de seu criador; com consideração dos desejos e preconceitos de seus clientes e patrocinadores; com uma análise comparativa de temas e abordagens dos colegas e professores do criador; e considerando a iconografia e o simbolismo. Em suma, essa abordagem examina a obra de arte no contexto do mundo no qual foi criada.

Os historiadores da arte também frequentemente examinam o trabalho por meio de uma análise de forma; Ou seja, o uso do Criador de linha, forma, cor, textura e composição. Essa abordagem examina como o artista usa um plano de imagem bidimensional ou as três dimensões do espaço escultural ou arquitetônico para criar sua arte. A maneira como esses elementos individuais são empregados resulta em arte representacional ou não representacional. O artista imitando um objeto ou a imagem pode ser encontrada na natureza? Nesse caso, é representacional. Quanto mais perto a arte é uma imitação perfeita, mais a arte é realista. O artista não está imitando, mas confia no simbolismo ou de uma maneira importante se esforçar para capturar a essência da natureza, em vez de copiá -la diretamente? Nesse caso, a arte não é representacional-também chamada de abstrato. Realismo e abstração existem em um continuum. O impressionismo é um exemplo de um estilo representacional que não foi diretamente imitativo, mas se esforçou para criar uma "impressão" da natureza. Se o trabalho não é representacional e é uma expressão dos sentimentos, anseios e aspirações do artista ou é uma busca por ideais de beleza e forma, o trabalho não é representacional ou uma obra de expressionismo.

Uma análise iconográfica é aquela que se concentra em elementos de design específicos de um objeto. Através de uma leitura atenta desses elementos, é possível rastrear sua linhagem e, com ela, tirar conclusões sobre as origens e trajetórias desses motivos. Por sua vez, é possível fazer qualquer número de observações sobre os valores sociais, culturais, econômicos e estéticos dos responsáveis ​​pela produção do objeto.

Muitos historiadores da arte usam a teoria crítica para enquadrar suas investigações sobre objetos. A teoria é mais frequentemente usada ao lidar com objetos mais recentes, aqueles do final do século XIX em diante. A teoria crítica na história da arte é frequentemente emprestada de estudiosos literários e envolve a aplicação de uma estrutura analítica não artística ao estudo de objetos de arte. As teorias feministas, marxistas, críticas, queer e pós -colonial estão todas bem estabelecidas na disciplina. Como nos estudos literários, há um interesse entre os estudiosos na natureza e no meio ambiente, mas a direção que isso tomará na disciplina ainda não foi determinada.

Cronograma de métodos proeminentes

Plínio o ancião e precedentes antigos

Os primeiros escritos sobreviventes sobre arte que podem ser classificados como história da arte são as passagens em Plínio, a história natural do ancião (c. 77-79 dC), referente ao desenvolvimento da escultura e pintura grega. Delas é possível rastrear as idéias de Xenokrates de Sicyon (c. 280 aC), um escultor grego que talvez tenha sido o primeiro historiador da arte. O trabalho de Plínio, embora principalmente uma enciclopédia das ciências, tenha sido influenciado a partir do Renascimento. (Passagens sobre técnicas usadas pelo pintor Apelles c. (332-329 aC) foram especialmente conhecidas.) Desenvolvimentos semelhantes, embora independentes, ocorreram no século VI China, onde um cânone de artistas dignos foi estabelecido por escritores em a classe oficial-oficial. Esses escritores, sendo necessariamente proficientes na caligrafia, eram os próprios artistas. Os artistas são descritos nos seis princípios da pintura formulados por Xie He.

Biografias de Vasari e Artistas

Giorgio Vasari, auto-retrato c.1567
Anton von Maron, Retrato de Johann Joachim Winckelmann, 1768

Embora as reminiscências pessoais de arte e artistas sejam escritas e lidas há muito tempo (ver Lorenzo Ghiberti Comementearii, para o melhor exemplo inicial), foi Giorgio Vasari, o pintor da toscana, escultor e autor da vida dos mais excelentes pintores, escultores e Arquitetos, que escreveram a primeira história verdadeira da arte. Ele enfatizou a progressão e o desenvolvimento da arte, que era um marco nesse campo. Ele era um relato pessoal e histórico, apresentando biografias de artistas italianos individuais, muitos dos quais eram seus contemporâneos e conhecidos pessoais. O mais renomado deles foi Michelangelo, e o relato de Vasari é esclarecedor, embora tendencioso [citação necessária] em alguns lugares.

As idéias de Vasari sobre arte foram enormemente influentes e serviram de modelo para muitos, inclusive no norte da Europa, Schilder-Boeck, de Karel Van Mander, e Teutsche Akademie de Joachim von Sandrart. foi nivelado em seu relato biográfico da história. [Citação necessária]

Winckelmann e crítica de arte

Estudiosos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768), criticaram o "culto" de Vasari à personalidade artística, e argumentaram que a verdadeira ênfase no estudo da arte deveria ser a visão do observador aprendido e não o ponto de vista único do artista carismático . Os escritos de Winckelmann foram, portanto, o início da crítica da arte. Seus dois trabalhos mais notáveis ​​que introduziram o conceito de crítica de arte foram Gedanken über Die Nachahmung der Griechischen Werke em der Malei und Bildhauerkunst, publicado em 1755, pouco antes de partir para Roma (Fuseli publicou uma tradução em inglês em 1765 sob o título de reflexões sobre o título Pintura e escultura dos gregos) e Geschichte der Kunst des Altertums (História da Arte na Antiguidade), publicada em 1764 (esta é a primeira ocorrência da frase 'History of Art' no título de um livro) ". Winckelmann criticado Os excessos artísticos das formas barroco e rococó e foi fundamental para reformar o gosto em favor do neoclassicismo mais sóbrio. Jacob Burckhardt (1818-1897), um dos fundadores da história da arte, observou que Winckelmann era o primeiro a distinguir entre o Períodos da arte antiga e para vincular a história do estilo à história mundial '. De Winckelmann até meados do século XX, o campo da história da arte foi dominado por acadêmicos de língua alemã. Winckelman Assim, o trabalho de N marcou a entrada da história da arte no discurso alto filosófico da cultura alemã.

Winckelmann foi lido avidamente por Johann Wolfgang Goethe e Friedrich Schiller, que começaram a escrever sobre a história da arte, e seu relato do grupo Laocoön ocasionou uma resposta por Lessing. O surgimento da arte como um assunto importante de especulação filosófica foi solidificada pelo aparecimento da crítica de Julgamento de Immanuel Kant em 1790 e foi promovida pelas palestras de Hegel sobre estética. A filosofia de Hegel serviu como inspiração direta para o trabalho de Karl Schnaase. O Niederländische Briefe, da Schnaase, estabeleceu os fundamentos teóricos da história da arte como uma disciplina autônoma, e seu Geschichte der Bildenden Künste, uma das primeiras pesquisas históricas da história da arte da arte da antiguidade ao renascimento, facilitou o ensino da história da arte na escape alemã da alemão . A pesquisa da Schnaase foi publicada contemporânea com um trabalho semelhante de Franz Theodor Kugler.

Wölfflin e análise estilística

See: Formal analysis.

Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudou com Burckhardt em Basileia, é o "pai" da história da arte moderna. Wölfflin ensinou nas universidades de Berlim, Basileia, Munique e Zurique. Vários estudantes passaram a carreiras ilustres na história da arte, incluindo Jakob Rosenberg e Frida Schottmuller. Ele introduziu uma abordagem científica da história da arte, concentrando -se em três conceitos. Em primeiro lugar, ele tentou estudar arte usando psicologia, principalmente aplicando o trabalho de Wilhelm Wundt. Ele argumentou, entre outras coisas, que arte e arquitetura são boas se elas se parecerem com o corpo humano. Por exemplo, as casas eram boas se suas fachadas pareciam rostos. Em segundo lugar, ele introduziu a idéia de estudar arte através da comparação. Ao comparar pinturas individuais, ele foi capaz de fazer distinções de estilo. Seu livro Renaissance e Barroco desenvolveram essa idéia e foi o primeiro a mostrar como esses períodos estilísticos diferiam um do outro. Em contraste com Giorgio Vasari, Wölfflin não estava interessado nas biografias dos artistas. De fato, ele propôs a criação de uma "história da arte sem nomes". Finalmente, ele estudou arte com base em idéias de nação. Ele estava particularmente interessado em se havia um estilo inerentemente "italiano" e inerentemente "alemão". Esse último interesse foi mais totalmente articulado em sua monografia sobre o artista alemão Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff e a Escola Viena

Artigo principal: Viena School of Art History

Contemporâneo da carreira de Wölfflin, uma importante escola de pensamento histórica de arte desenvolvida na Universidade de Viena. A primeira geração da escola de Viena foi dominada por Alois Riegl e Franz Wickhoff, ambos estudantes de Moritz Thausing, e foi caracterizado por uma tendência a reavaliar períodos negligenciados ou depreciados na história da arte. Riegl e Wickhoff escreveram extensivamente sobre a arte da antiguidade tardia, que antes deles havia sido considerada um período de declínio do ideal clássico. Riegl também contribuiu para a reavaliação do barroco.

A próxima geração de professores de Viena incluiu Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda e Josef Strzygowski. Vários dos historiadores de arte mais importantes do século XX, incluindo Ernst Gombrich, receberam seus diplomas em Viena neste momento. O termo "Segunda Escola de Viena" (ou "New Vienna School") geralmente se refere à seguinte geração de estudiosos vienenses, incluindo Hans Sedlmayr, Otto Pächt e Guido Kaschnitz von Weinberg. Esses estudiosos começaram na década de 1930 para retornar ao trabalho da primeira geração, particularmente para Riegl e seu conceito de Kunstwollen, e tentaram transformá-lo em uma metodologia artística histórica. Sedlmayr, em particular, rejeitou o estudo minuto de iconografia, patrocínio e outras abordagens fundamentadas no contexto histórico, preferindo se concentrar nas qualidades estéticas de uma obra de arte. Como resultado, a segunda escola de Viena ganhou uma reputação de formalismo irrestrito e irresponsável e, além disso, foi colorido pelo racismo e membro da Sedlmayr no Partido Nazista. Essa última tendência, no entanto, não foi compartilhada por todos os membros da escola; Pächt, por exemplo, era judeu e foi forçado a deixar Viena na década de 1930.

Panofsky e iconografia

Fotógrafo desconhecido, Aby Warburg c. 1900

Nosso entendimento do século XXI do conteúdo simbólico da arte vem de um grupo de estudiosos que se reuniram em Hamburgo na década de 1920. Os mais proeminentes entre eles foram Erwin Panofsky, Aby Warburg, Fritz Saxl e Gertrud Bing. Juntos, eles desenvolveram grande parte do vocabulário que continua sendo usado no século XXI pelos historiadores da arte. "Iconografia" - com raízes que significa "símbolos da escrita" refere -se ao assunto da arte derivada de fontes escritas - especialmente as escrituras e a mitologia. "Iconology" é um termo mais amplo que se referiu a todo simbolismo, derivado de um texto específico ou não. Hoje, os historiadores da arte às vezes usam esses termos de forma intercambiável.

Panofsky, em seus primeiros trabalhos, também desenvolveu as teorias de Riegl, mas acabou se preocupando com a iconografia e, em particular, com a transmissão de temas relacionados à antiguidade clássica na Idade Média e na Renascença. A esse respeito, seus interesses coincidiram com os de Warburg, filho de uma família rica que montou uma impressionante biblioteca em Hamburgo dedicada ao estudo da tradição clássica em arte e cultura posteriores. Sob os auspícios da Saxl, essa biblioteca foi desenvolvida em um instituto de pesquisa, afiliado à Universidade de Hamburgo, onde Panofsky ensinava.

Warburg morreu em 1929 e, na década de 1930, Saxl e Panofsky, ambos judeus, foram forçados a deixar Hamburgo. Saxl se estabeleceu em Londres, trazendo a biblioteca de Warburg com ele e estabelecendo o Instituto Warburg. Panofsky se estabeleceu em Princeton no Instituto de Estudo Avançado. A esse respeito, eles faziam parte de um extraordinário influxo de historiadores de arte alemães na academia de língua inglesa na década de 1930. Esses estudiosos foram amplamente responsáveis ​​por estabelecer a história da arte como um campo de estudo legítimo no mundo de língua inglesa, e a influência da metodologia de Panofsky, em particular, determinou o curso da história da arte americana para uma geração.

Freud e psicanálise

Heinrich Wölfflin não foi o único estudioso a invocar teorias psicológicas no estudo do art. O psicanalista Sigmund Freud escreveu um livro sobre o artista Leonardo da Vinci, no qual ele usou as pinturas de Leonardo para interrogar a psique e a orientação sexual do artista. Freud inferiu de sua análise que Leonardo provavelmente era homossexual.

Foto do grupo 1909 em frente à Clark University. Primeira fila: Sigmund Freud, Granville Stanley Hall, Carl Jung; Fila de trás: Abraham A. Brill, Ernest Jones, Sádor Ferenczi

Embora o uso de material póstumo para realizar a psicanálise seja controverso entre os historiadores da arte, especialmente porque os costumes sexuais do tempo de Leonardo e Freud são diferentes, é frequentemente tentado. Um dos estudiosos psicanalíticos mais conhecidos é Laurie Schneider Adams, que escreveu um livro popular, arte ao longo do tempo e uma arte e psicanálise de livros.

Uma virada desavisada para a história da crítica da arte ocorreu em 1914, quando Sigmund Freud publicou uma interpretação psicanalítica de Moisés de Michelangelo intitulado Der Moses Des Michelangelo como uma das primeiras análises baseadas em psicologia sobre uma obra de arte. Freud publicou pela primeira vez este trabalho logo após ler a vida de Vasari. Para fins desconhecidos, Freud publicou originalmente o artigo anonimamente.

Jung e arquétipos

Carl Jung também aplicou a teoria psicanalítica à arte. CG. Jung era um psiquiatra suíço, um pensador influente e fundador da psicologia analítica. A abordagem de Jung à psicologia enfatizou a compreensão da psique, explorando os mundos dos sonhos, arte, mitologia, religião mundial e filosofia. Grande parte do trabalho de sua vida foi gasto explorando a filosofia oriental e ocidental, alquimia, astrologia, sociologia e literatura e artes. Suas contribuições mais notáveis ​​incluem seu conceito de arquétipo psicológico, o inconsciente coletivo e sua teoria da sincronicidade. Jung acreditava que muitas experiências percebidas como coincidência não seriam meramente devidas ao acaso, mas, em vez disso, sugeriram a manifestação de eventos paralelos ou circunstâncias que refletiam essa dinâmica governante. Ele argumentou que uma imagem inconsciente e arquetípica coletiva era detectável na arte. Suas idéias eram particularmente populares entre os expressionistas abstratos americanos nas décadas de 1940 e 1950. Seu trabalho inspirou o conceito surrealista de desenhar imagens dos sonhos e do inconsciente.

Jung enfatizou a importância do equilíbrio e harmonia. Ele alertou que os humanos modernos dependem demais da ciência e da lógica e se beneficiariam da integração da espiritualidade e da apreciação do reino inconsciente. Seu trabalho não apenas desencadeou o trabalho analítico dos historiadores da arte, mas também se tornou parte integrante da arte. Jackson Pollock, por exemplo, criou uma série de desenhos para acompanhar suas sessões psicanalíticas com seu psicanalista junguiano, Dr. Joseph Henderson. Henderson, que mais tarde publicou os desenhos em um texto dedicado às sessões de Pollock, percebeu o quão poderosos os desenhos eram como uma ferramenta terapêutica.

O legado da psicanálise na história da arte tem sido profundo e se estende além de Freud e Jung. A proeminente historiadora de arte feminista Griselda Pollock, por exemplo, baseia -se na psicanálise, tanto em sua leitura na arte contemporânea quanto em sua releitura na arte modernista. Com a leitura de Griselda Pollock da psicanálise feminista francesa e, em particular, os escritos de Julia Kristeva e Bracha L. Ettinger, como nas leituras de Rosalind Krauss de Jacques Lacan e Jean-François Lyotard e Catherine de Zegher Curatorial's Reradering of Arting, do feminismo francês e psicanálise informou fortemente a reformulação de homens e mulheres artistas na história da arte.

Marx e ideologia

Em meados do século XX, os historiadores da arte adotaram a história social usando abordagens críticas. O objetivo era mostrar como a arte interage com estruturas de poder na sociedade. Uma abordagem crítica que os historiadores da arte [quem?] Usaram era o marxismo. A história da arte marxista tentou mostrar como a arte estava ligada a classes específicas, como as imagens contêm informações sobre a economia e como as imagens podem fazer o status quo parecer natural (ideologia). [Citação necessária]

Marcel Duchamp e Dada Movement Jump começaram o estilo anti-arte. Vários artistas não queriam criar obras de arte para as quais todos estavam em conformidade na época. Esses dois movimentos ajudaram outro artista a criar peças que não eram vistas como arte tradicional. Alguns exemplos de estilos que se ramificaram do movimento anti-arte seriam o neo-dadaismo, o surrealismo e o construtivismo. Esses estilos e artistas não queriam se render às formas de arte tradicionais. Essa maneira de pensar provocou movimentos políticos, como a Revolução Russa e os ideais comunistas.

O artista Isaak Brodsky obra de 'Shock-Worker de Dneprstroi' em 1932 mostra seu envolvimento político no art. Essa obra de arte pode ser analisada para mostrar os problemas internos que a Rússia soviética estava enfrentando na época. Talvez o mais conhecido marxista tenha sido Clement Greenberg, que ganhou destaque no final da década de 1930 com seu ensaio "Avant-Garde and Kitsch". No ensaio, Greenberg afirmou que a vanguarda surgiu para defender os padrões estéticos do declínio do gosto envolvido na sociedade de consumo e ver Kitsch e arte como opostos. Greenberg afirmou ainda que a arte de vanguarda e modernista era um meio de resistir ao nivelamento da cultura produzida pela propaganda capitalista. Greenberg se apropriou da palavra alemã 'kitsch' para descrever esse consumismo, embora suas conotações tenham mudado para uma noção mais afirmativa de restos de materiais da cultura capitalista. Greenberg mais tarde [quando?] Tornou -se conhecido por examinar as propriedades formais da arte moderna. [Citação necessária]

Meyer Schapiro é um dos historiadores de arte marxista mais bem lembrados de meados do século XX. Embora ele tenha escrito sobre vários períodos de tempo e temas na arte, ele é mais lembrado por seus comentários sobre escultura do final da Idade Média e do início do Renascimento, quando viu evidências de capitalismo emergindo e feudalismo em declínio. [Citação necessária]

Arnold Hauser escreveu a primeira pesquisa marxista da arte ocidental, intitulada The Social History of Art. Ele tentou mostrar como a consciência da classe se refletia nos principais períodos de arte. O livro foi controverso quando publicado durante a década de 1950, pois faz generalizações sobre épocas inteiras, uma estratégia agora chamada "marxismo vulgar". [Citação necessária]

A história da arte marxista foi refinada no Departamento de História da Arte da UCLA com estudiosos como T.J. Clark, O.K. Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno e Max Horkheimer. T.J. Clark foi o primeiro historiador da arte escrevendo de uma perspectiva marxista a abandonar o marxismo vulgar. Ele escreveu histórias de arte marxista de vários artistas impressionistas e realistas, incluindo Gustave Courbet e Édouard Manet. Esses livros se concentraram intimamente nos climas políticos e econômicos em que a arte foi criada.

História da arte feminista

Ensaio de Linda Nochlin "Por que não houve grandes artistas de mulheres?" ajudou a inflamar a história da arte feminista durante a década de 1970 e continua sendo um dos ensaios mais lidos sobre artistas. Isto foi seguido por um painel da Associação de Arte da Faculdade de 1972, presidida por Nochlin, intitulada "Erotismo e a imagem da mulher na arte do século XIX". Dentro de uma década, dezenas de papéis, artigos e ensaios sofreram um impulso crescente, alimentados pelo movimento feminista da segunda onda, do discurso crítico em torno das interações das mulheres com as artes como artistas e assuntos. Em seu ensaio pioneiro, Nochlin aplica uma estrutura crítica feminista para mostrar exclusão sistemática de mulheres do treinamento artístico, argumentando que a exclusão da prática da arte e da história canônica da arte era a conseqüência de condições culturais que restringiram e restringiram mulheres de produzir campos de produção de arte . Os poucos que tiveram sucesso foram tratados como anomalias e não forneceram um modelo para o sucesso subsequente. Griselda Pollock é outro historiador de arte feminista proeminente, cujo uso da teoria psicanalítica é descrita acima.

Embora a história da arte feminista possa se concentrar em qualquer período e localização, muita atenção foi dada à era moderna. Algumas dessas bolsas se concentram no movimento artístico feminista, que se referiu especificamente à experiência das mulheres. Freqüentemente, a história da arte feminista oferece uma "releitura" crítica do cânone da arte ocidental, como a reinterpretação de Carol Duncan de Demoiselles d'Avignon por Carol Duncan. Dois pioneiros do campo são Mary Garrard e Norma Broude. Suas antologias feminismo e história da arte: questionando a litania, o discurso em expansão: feminismo e história da arte e recuperar a agência feminista: história da arte feminista após o pós -modernismo são esforços substanciais para trazer perspectivas feministas ao discurso da história da arte. A dupla também co-fundou a conferência feminista de história da arte.

Barthes e semióticos

Ao contrário da iconografia que busca identificar o significado, a semiótica está preocupada com a forma como o significado é criado. Roland Barthes conoteu e denotados significados são fundamentais para este exame. Em qualquer obra de arte em particular, uma interpretação depende da identificação do significado denotado - o reconhecimento de um sinal visual e o significado conotado - as associações culturais instantâneas que vêm com o reconhecimento. A principal preocupação do historiador da arte semiótica é criar maneiras de navegar e interpretar o significado conotado.

A história da arte semiótica procura descobrir o significado ou significados codificados em um objeto estético, examinando sua conexão com uma consciência coletiva. Os historiadores da arte geralmente não se comprometem com uma marca em particular de semiótica, mas construem uma versão amalgamada que eles incorporam em sua coleção de ferramentas analíticas. Por exemplo, Meyer Schapiro pegou o significado diferencial de Saussure emprestado em esforço para ler sinais como eles existem dentro de um sistema. Segundo Schapiro, para entender o significado da frontealidade em um contexto pictórico específico, ele deve ser diferenciado ou visualizado em relação a possibilidades alternativas, como um perfil ou uma visão de três quartos. Schapiro combinou esse método com o trabalho de Charles Sanders Peirce, cujo objeto, sinal e interpretante forneceram uma estrutura para sua abordagem. Alex Potts demonstra a aplicação dos conceitos de Peirce à representação visual, examinando -os em relação à Mona Lisa. Ao ver a Mona Lisa, por exemplo, como algo além de sua materialidade é identificá -lo como um sinal. É então reconhecido como referindo -se a um objeto fora de si, uma mulher ou Mona Lisa. A imagem não parece denotar o significado religioso e, portanto, pode ser considerado um retrato. Essa interpretação leva a uma cadeia de possíveis interpretações: quem era a babá em relação a Leonardo da Vinci? Que significado ela tinha para ele? Ou talvez ela seja um ícone para toda a mulher. Essa cadeia de interpretação, ou "semiose ilimitada", é interminável; O trabalho do historiador da arte é colocar limites sobre possíveis interpretações, tanto quanto para revelar novas possibilidades.

A semiótica opera sob a teoria de que uma imagem só pode ser entendida da perspectiva do espectador. O artista é suplantado pelo espectador como fornecedor de significado, mesmo na medida em que uma interpretação ainda seja válida, independentemente de o criador ter pretendido. Rosalind Krauss adotou esse conceito em seu ensaio "em nome de Picasso". Ela denunciou o monopólio do artista sobre o significado e insistiu que o significado só pode ser derivado depois que o trabalho foi removido de seu contexto histórico e social. Mieke Bal argumentou da mesma forma que o significado nem existe até que a imagem seja observada pelo espectador. Somente depois de reconhecer isso que o significado pode ser aberto a outras possibilidades, como feminismo ou psicanálise.

Estudos de museus e coleta

Aspectos do assunto que vieram à tona nas últimas décadas incluem interesse no patrocínio e consumo de arte, incluindo a economia do mercado de arte, o papel dos colecionadores, as intenções e aspirações daquelas obras de comissionamento e as reações dos contemporâneos e telespectadores e proprietários posteriores. Os estudos de museus, incluindo a história da coleta e exibição do museu, agora são um campo de estudo especializado, assim como a história da coleta.

Novo materialismo

Os avanços científicos tornaram possível uma investigação muito mais precisa dos materiais e técnicas usadas para criar obras, especialmente técnicas fotográficas infravermelhas e de raios-X, que permitiram que muitas desvios de pinturas fossem vistas novamente. A análise adequada dos pigmentos usados ​​na tinta agora é possível, o que perturbou muitas atribuições. A dendrocronologia para pinturas de painéis e datação por rádio-carbono para objetos antigos em materiais orgânicos permitiram que métodos científicos de objetos de namoro confirmassem ou perturbassem datas derivadas de análises estilísticas ou evidências documentais. O desenvolvimento de uma boa fotografia de cores, agora mantida digitalmente e disponível na Internet ou por outros meios, transformou o estudo de muitos tipos de arte, especialmente aqueles que cobrem objetos existentes em grandes números que são amplamente dispersos entre coleções, como manuscritos iluminados e Miniaturas persas e muitos tipos de obras de arte arqueológicas.

Simultaneamente a esses avanços tecnológicos, os historiadores da arte demonstraram crescente interesse em novas abordagens teóricas da natureza das obras de arte como objetos. A teoria das coisas, a teoria do ator-rede e a ontologia orientada a objetos desempenharam um papel crescente na literatura histórica da arte.

História da arte nacionalista

A criação da arte, a história acadêmica da arte e a história dos museus de arte estão intimamente entrelaçados com a ascensão do nacionalismo. A arte criada na era moderna, de fato, tem sido frequentemente uma tentativa de gerar sentimentos de superioridade nacional ou amor do país. A arte russa é um exemplo especialmente bom disso, pois a vanguarda russa e depois a arte soviética foram tentativas de definir a identidade desse país.

A maioria dos historiadores de arte que trabalha hoje identifica sua especialidade como a arte de uma cultura e um período de tempo específicos, e muitas vezes essas culturas também são nações. Por exemplo, alguém pode se especializar na história da arte alemã ou contemporânea chinesa do século XIX. Um foco na nação tem raízes profundas na disciplina. De fato, a vida de Vasari dos mais excelentes pintores, escultores e arquitetos é uma tentativa de mostrar a superioridade da cultura artística florentina, e os escritos de Heinrich Wölfflin (especialmente sua monografia sobre Albrecht Dürer) tentam distinguir o italiano dos estilos alemães da arte.

Muitos dos maiores e mais bem financiados museus de arte do mundo, como o Louvre, o Museu Victoria e Albert, e a Galeria Nacional de Arte em Washington são de propriedade do Estado. A maioria dos países, de fato, possui uma galeria nacional, com uma missão explícita de preservar o patrimônio cultural de propriedade do governo - independentemente do que as culturas criaram a arte - e uma missão muitas vezes implícita para reforçar o patrimônio cultural daquele país. A Galeria Nacional de Arte mostra a arte feita nos Estados Unidos, mas também possui objetos de todo o mundo.

Divisões por período

A disciplina da história da arte é tradicionalmente dividida em especializações ou concentrações com base em épocas e regiões, com uma subdivisão adicional com base na mídia. Assim, alguém pode se especializar na "arquitetura alemã do século XIX" ou na "escultura da Toscana do século XVI". Os subcampos são frequentemente incluídos sob uma especialização. Por exemplo, o antigo Oriente Próximo, Grécia, Roma e Egito são tipicamente considerados concentrações especiais de arte antiga. Em alguns casos, essas especializações podem estar intimamente aliadas (como a Grécia e a Roma, por exemplo), enquanto em outras essas alianças são muito menos naturais (arte indiana versus arte coreana, por exemplo).

As perspectivas não ocidentais ou globais sobre arte tornaram-se cada vez mais predominantes no cânone histórico da arte desde os anos 80.

"História da Arte Contemporânea" refere-se à pesquisa no período da década de 1960 até hoje, refletindo a ruptura das suposições do modernismo trazido pelos artistas do neo-avant-garde e uma continuidade na arte contemporânea em termos de prática baseados em conceitualista e pós-pós- práticas conceitualistas.

Organizações profissionais

Nos Estados Unidos, a organização de história da arte mais importante é a College Art Association. Organiza uma conferência anual e publica o Art Bulletin and Art Journal. Organizações semelhantes existem em outras partes do mundo, bem como para especializações, como história arquitetônica e história da arte renascentista. No Reino Unido, por exemplo, a Associação de Historiadores da Arte é a Organização de Premiere e publica uma revista intitulada História da Arte.

Veja também

history portalarts portal
AestheticSicsart críticabildwissenschaftfine artshistory of Artrock Art Studies Artsvisual and Theosophywomen no campo da história da arte

Notas e referências

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Leitura adicional

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