Poesia
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História
Trabalhos iniciais
Alguns estudiosos acreditam que a arte da poesia pode anteceder a alfabetização e se desenvolveu a partir de épicos folclóricos e outros gêneros orais. Outros, no entanto, sugerem que a poesia não antecedeu necessariamente a escrita.
O mais antigo poema épico sobrevivente, o épico de Gilgamesh, data do 3º milênio aC na Sumer (na Mesopotâmia, atual no Iraque) e foi escrito em roteiro cuneiforme em comprimidos de argila e, mais tarde, em papiro. O tablet Istambul #2461, datado de c. 2000 AEC, descreve um rito anual no qual o rei se casou simbolicamente e se acasalou com a deusa Inanna para garantir fertilidade e prosperidade; Alguns o rotularam de poema de amor mais antigo do mundo. Um exemplo de poesia épica egípcia é a história de Sinuhe (c. 1800 aC).
Outros épicos antigos incluem a Ilíada Grega e a Odisséia; os livros persas do Avestan (The Yasna); o épico nacional romano, aeneid de Virgil (escrito entre 29 e 19 aC); e os épicos indianos, o Ramayana e o Mahabharata. A poesia épica parece ter sido composta em forma poética como uma ajuda à memorização e à transmissão oral nas sociedades antigas.
Outras formas de poesia, incluindo coleções antigas de hinos religiosos como o rigveda em língua sânscrita indiana, o Avestan Gathas, as canções Hurrian e os Salmos Hebraicos, possivelmente se desenvolveram diretamente a partir de canções folclóricas. As primeiras entradas da coleção mais antiga de poesia chinesa, o clássico da poesia (Shijing), foram inicialmente letras. O Shijing, com sua coleção de poemas e canções folclóricos, foi fortemente valorizado pelo filósofo Confúcio e é considerado um dos clássicos confucionistas oficiais. Suas observações sobre o assunto se tornaram uma fonte inestimável na teoria da música antiga.
Os esforços dos pensadores antigos para determinar o que torna a poesia distinta como uma forma, e o que distingue a boa poesia do ruim, resultou em "poética" - o estudo da estética da poesia. Algumas sociedades antigas, como a China através do xijing, desenvolveram cânones de obras poéticas que tinham importância ritual e estética. Mais recentemente, os pensadores lutaram para encontrar uma definição que poderia abranger diferenças formais tão grandes quanto as entre os contos de Canterbury de Chaucer e o Oku no Hosomichi, de Matsuo Bashō, além de diferenças na poesia religiosa de Tanakh, poesia amorosa e rap.
O poema de amor mais antigo conhecido. Sumério Terracotta Tablet #2461 de Nippur, Iraque. UR III Período, 2037-2029 aC. Museu do Oriente Antigo, Istambul
O filósofo Confúcio foi influente na abordagem desenvolvida da poesia e da teoria da música antiga.
Uma poética chinesa primitiva, o kǒngzǐ shīlùn (孔子 詩論), discutindo o shijing (clássico da poesia)
Tradições ocidentais
Os pensadores clássicos no Ocidente empregaram a classificação como uma maneira de definir e avaliar a qualidade da poesia. Notavelmente, os fragmentos existentes da poética de Aristóteles descrevem três gêneros de poesia-o épico, o quadrinho e o trágico-e desenvolvem regras para distinguir a poesia da mais alta qualidade em cada gênero, com base nos propósitos subjacentes do gênero percebidos. Os esteticistas posteriores identificaram três gêneros principais: poesia épica, poesia lírica e poesia dramática, tratando comédia e tragédia como subgêneros de poesia dramática.
O trabalho de Aristóteles foi influente em todo o Oriente Médio durante a Era de Ouro Islâmica, bem como na Europa durante o Renascimento. Poetas e esteticistas posteriores frequentemente distinguiam a poesia e a definiam em oposição à prosa, que eles geralmente entendiam como escrevendo com uma tendência à explicação lógica e uma estrutura narrativa linear.
Isso não implica que a poesia seja ilógica ou carece de narração, mas que a poesia é uma tentativa de tornar a bela ou sublime sem o ônus de envolver o processo lógico ou narrativo. O poeta romântico inglês John Keats chamou essa fuga da lógica "Capacidade negativa". Essa abordagem "romântica" vê como um elemento -chave da poesia bem -sucedida, porque a forma é abstrata e distinta da lógica nocional subjacente. Essa abordagem permaneceu influente no século XX.
Durante os séculos XVIII e XIX, também houve substancialmente mais interação entre as várias tradições poéticas, em parte devido à disseminação do colonialismo europeu e à ascensão atendente no comércio global. Além de um boom na tradução, durante o período romântico, inúmeras obras antigas foram redescobertas.
Disputas do século XX e século XX
Alguns teóricos literários do século XX confiam menos na oposição ostensiva da prosa e da poesia, concentrando-se no poeta como simplesmente aquele que cria o uso da linguagem e a poesia como o que o poeta cria. O conceito subjacente do poeta como criador não é incomum, e alguns poetas modernistas essencialmente não distinguem entre a criação de um poema com palavras e atos criativos em outras mídias. No entanto, outros modernistas desafiam a própria tentativa de definir a poesia como equivocada.
A rejeição de formas e estruturas tradicionais para poesia que começaram na primeira metade do século XX coincidiu com um questionamento do propósito e significado das definições tradicionais de poesia e de distinções entre poesia e prosa, particularmente dadas exemplos de prosa poética e poesia prosaica . Numerosos poetas modernistas escreveram em formas não tradicionais ou no que tradicionalmente teriam sido consideradas prosa, embora sua escrita fosse geralmente infundida com dicção poética e frequentemente com ritmo e tom estabelecido por meios não meétricos. Embora houvesse uma reação formalista substancial nas escolas modernistas à quebra da estrutura, essa reação se concentrou tanto no desenvolvimento de novas estruturas e sínteses formais quanto no renascimento de formas e estruturas mais antigas.
O pós -modernismo vai além da ênfase do modernismo no papel criativo do poeta, para enfatizar o papel do leitor de um texto (hermenêutica) e destacar a complexa rede cultural na qual um poema é lido. Hoje, em todo o mundo, a poesia geralmente incorpora a forma poética e a dicção de outras culturas e do passado, mais tentativas confusas de definição e classificação que antes faziam sentido dentro de uma tradição como o cânone ocidental.
A tradição poética do início do século XXI parece continuar a se orientar fortemente para as tradições poéticas precursoras anteriores, como as iniciadas por Whitman, Emerson e Wordsworth. O crítico literário Geoffrey Hartman (1929-2016) usou a frase "a ansiedade da demanda" para descrever a resposta contemporânea às tradições poéticas mais antigas como "com medo de que o fato não tenha mais uma forma", construindo um tropo introduzido por Emerson. Emerson sustentou que, no debate sobre a estrutura poética onde "forma" ou "fato" poderia predominar, que é necessário simplesmente "pedir o fato para o formulário". Isso foi desafiado em vários níveis por outros estudiosos literários, como Harold Bloom (1930-2019), que declarou: "A geração de poetas que estão juntos agora, maduros e prontos para escrever o principal verso americano do século XXI-primeiro-primeiro , ainda pode ser visto como o que Stevens chamou de "o último enfeite de uma grande sombra", a sombra de Emerson ".
Elementos
Prosódia
A prosódia é o estudo do medidor, ritmo e entonação de um poema. Ritmo e medidor são diferentes, embora intimamente relacionados. O medidor é o padrão definitivo estabelecido para um versículo (como o pentâmetro iâmbico), enquanto o ritmo é o som real que resulta de uma linha de poesia. A prosódia também pode ser usada mais especificamente para se referir à varredura de linhas poéticas para mostrar medidor.
Rhythm
Os métodos para criar o ritmo poético variam entre as línguas e entre as tradições poéticas. Os idiomas são frequentemente descritos como tendo tempo definido principalmente por sotaques, sílabas ou morais, dependendo de como o ritmo é estabelecido, embora um idioma possa ser influenciado por várias abordagens. O japonês é uma linguagem mora. Latim, catalão, francês, leons, galego e espanhol são chamados de idiomas em tempo sílabas. Os idiomas que têm o estresse incluem inglês, russo e, geralmente, alemão. A entonação variável também afeta como o ritmo é percebido. Os idiomas podem confiar no tom ou no tom. Algumas línguas com sotaque de arremesso são sânscrito védico ou grego antigo. Os idiomas tonais incluem idiomas chineses, vietnamitas e a maioria das sub subesarianas.
O ritmo métrico geralmente envolve arranjos precisos de tensões ou sílabas em padrões repetidos chamados pés dentro de uma linha. No versículo inglês moderno, o padrão de tensões diferencia principalmente os pés, de modo que o ritmo baseado no medidor no inglês moderno é mais frequentemente fundamentado no padrão de sílabas estressadas e não estressadas (sozinhas ou eledidas). Nas línguas clássicas, por outro lado, enquanto as unidades métricas são semelhantes, o comprimento da vogal em vez de tensões define o medidor. A poesia inglesa antiga usou um padrão métrico envolvendo um número variado de sílabas, mas um número fixo de tensões fortes em cada linha.
O principal dispositivo de poesia bíblica hebraica antiga, incluindo muitos dos Salmos, foi o paralelismo, uma estrutura retórica na qual linhas sucessivas se refletiam na estrutura gramatical, estrutura sonora, conteúdo nocional ou todos os três. O paralelismo se prestou ao desempenho antifonal ou de chamada e resposta, que também pode ser reforçado pela entonação. Assim, a poesia bíblica depende muito menos de pés métricos para criar ritmo, mas cria ritmo com base em unidades de som muito maiores de linhas, frases e frases. Algumas formas de poesia clássica, como a venpa da língua tâmil, tinham gramáticas rígidas (a ponto de poderem ser expressas como uma gramática livre de contexto) que garantiu um ritmo.
A poética chinesa clássica, baseada no sistema de tons de chinês médio, reconheceu dois tipos de tons: o tom de nível (平 平 píng) e os tons oblíquos (仄 zè), uma categoria que consiste no tom Rising (上 sháng), a partida (去 qù) tom e o tom de entrada (入 rù). Certas formas de poesia colocaram restrições nas quais as sílabas precisavam estar niveladas e quais oblíquas.
Os padrões formais de medidor usados no versículo inglês moderno para criar ritmo não dominam mais a poesia inglesa contemporânea. No caso de verso livre, o ritmo é frequentemente organizado com base em unidades mais soltas de cadência, em vez de um medidor regular. Robinson Jeffers, Marianne Moore e William Carlos Williams são três poetas notáveis que rejeitam a idéia de que um medidor de acentuação regular é fundamental para a poesia inglesa. Jeffers experimentou o ritmo de Sprung como uma alternativa ao ritmo acentuado.
Meter
Na tradição poética ocidental, os medidores são costumados agrupados de acordo com um pé métrico característico e o número de pés por linha. O número de pés métricos em uma linha é descrito usando terminologia grega: tetrâmetro por quatro pés e hexâmetro por seis pés, por exemplo. Assim, "pentâmetro iâmbico" é um medidor que compreende um metro e meio por linha, no qual o tipo de pé predominante é o "iamba". Esse sistema métrico se originou na poesia grega antiga e foi usada por poetas como Pindar e Sappho e pelos grandes tragédios de Atenas. Da mesma forma, "hexâmetro dactílico", compreende seis pés por linha, da qual o tipo de pé dominante é o "dactyl". O hexâmetro dactílico era o medidor tradicional da poesia épica grega, cujos primeiros exemplos existentes são os trabalhos de Homer e Hesíodo. O pentâmetro iâmbico e o hexâmetro dactílico foram posteriormente usados por vários poetas, incluindo William Shakespeare e Henry Wadsworth Longfellow, respectivamente. Os pés métricos mais comuns em inglês são:
Há uma grande variedade de nomes para outros tipos de pés, até um choriambo, um pé métrico de quatro sílabas com uma sílaba estressada, seguida por duas sílabas não estressadas e fechando com uma sílaba estressada. O choriâmb é derivado de alguma poesia grega e latina antiga. Idiomas que utilizam comprimento ou entonação da vogal, em vez ou além de detalhes silábicos na determinação do medidor, como otomano turco ou védico, geralmente têm conceitos semelhantes ao IAMB e Dactyl para descrever combinações comuns de sons longos e curtos.
Cada um desses tipos de pés tem uma certa "sensação", seja sozinho ou em combinação com outros pés. O IAMB, por exemplo, é a forma mais natural de ritmo da língua inglesa e geralmente produz um verso sutil, mas estável. O medidor de varredura geralmente pode mostrar o padrão básico ou fundamental subjacente a um versículo, mas não mostra os graus variados de estresse, bem como os diferentes arremessos e comprimentos das sílabas.
Há um debate sobre o quão útil uma multiplicidade de diferentes "pés" está na descrição do medidor. Por exemplo, Robert Pinsky argumentou que, embora os dactilos sejam importantes no verso clássico, o verso dactílico inglês usa dactilos de maneira muito irregular e pode ser melhor descrito com base em padrões de iambos e anapestos, pés que ele considera naturais para o idioma. O ritmo real é significativamente mais complexo do que o medidor escaneado básico descrito acima, e muitos estudiosos procuraram desenvolver sistemas que digitalizassem essa complexidade. Vladimir Nabokov observou que o sobreposto no topo do padrão regular de sílabas estressadas e não estressadas em uma linha de verso era um padrão separado de sotaques resultantes do tom natural das palavras faladas e sugeriu que o termo "scud" fosse usado para distinguir um Estresse não acentuado de um estresse acentuado.
Metrical patterns
Diferentes tradições e gêneros de poesia tendem a usar medidores diferentes, variando do pentâmetro iâmbico shakespeariano e do hexâmetro dactílico homérico ao tetrâmetro anapestoso usado em muitas rimas de berçário. No entanto, várias variações ao medidor estabelecido são comuns, tanto para fornecer ênfase ou atenção a um determinado pé ou linha e para evitar repetições entediantes. Por exemplo, o estresse no pé pode ser invertido, uma Caesura (ou pausa) pode ser adicionada (às vezes no lugar de um pé ou estresse), ou o pé final em uma linha pode receber um final feminino para amolecê -lo ou ser Substituído por uma espondee para enfatizá -lo e criar uma parada difícil. Alguns padrões (como o pentâmetro iâmbico) tendem a ser bastante regulares, enquanto outros padrões, como o hexâmetro dactílico, tendem a ser altamente irregulares. A regularidade pode variar entre a linguagem. Além disso, diferentes padrões geralmente se desenvolvem distintamente em diferentes idiomas, de modo que, por exemplo, o tetrâmetro iâmbico em russo geralmente reflete uma regularidade no uso de sotaques para reforçar o medidor, que não ocorre, ou ocorre em muito menor grau, em inglês.
Alguns padrões métricos comuns, com exemplos notáveis de poetas e poemas que os usam, incluem:
Iambic pentameter (John Milton, Paradise Lost; William Shakespeare, Sonnets)Dactylic hexameter (Homer, Iliad; Virgil, Aeneid)Iambic tetrameter (Andrew Marvell, "To His Coy Mistress"; Alexander Pushkin, Eugene Onegin; Robert Frost, Stopping by Woods on a Snowy Evening)Trochaic octameter (Edgar Allan Poe, "The Raven")Trochaic tetrameter (Henry Wadsworth Longfellow, The Song of Hiawatha; the Finnish national epic, The Kalevala, is also in trochaic tetrameter, the natural rhythm of Finnish and Estonian)Alexandrin (Jean Racine, Phèdre)Rima, aliteração, assonância
Rima, aliteração, assonância e consonância são maneiras de criar padrões repetitivos de som. Eles podem ser usados como um elemento estrutural independente em um poema, para reforçar padrões rítmicos ou como um elemento ornamental. Eles também podem ter um significado separado dos padrões de som repetitivos criados. Por exemplo, Chaucer usou aliteração pesada para zombar do verso inglês antigo e pintar um personagem como arcaico.
A rima consiste em sons idênticos ("hard-rhyme") ou similares ("rhyme mole") colocados nas extremidades das linhas ou em locais previsíveis nas linhas ("rima interna"). As línguas variam na riqueza de suas estruturas de rima; O italiano, por exemplo, possui uma rica estrutura de rima, permitindo a manutenção de um conjunto limitado de rimas em um longo poema. A riqueza resulta dos finais de palavras que seguem as formas regulares. O inglês, com seus finais irregulares de palavras adotadas em outras línguas, é menos rico em rima. O grau de riqueza das estruturas de rima de uma linguagem desempenha um papel substancial na determinação de quais formas poéticas são comumente usadas nessa linguagem.
A aliteração é a repetição de cartas ou somes de letras no início de duas ou mais palavras imediatamente se esforçando ou em intervalos curtos; ou a recorrência da mesma letra em partes acentuadas das palavras. Aliteração e assonância desempenharam um papel fundamental na estruturação de formas de poesia germânicas, nórdicas e antigas. Os padrões aliterativos da poesia germânica primitiva entrelaçam o medidor e a aliteração como parte essencial de sua estrutura, de modo que o padrão métrico determina quando o ouvinte espera que ocorram instâncias de aliteração. Isso pode ser comparado a um uso ornamental da aliteração na maioria da poesia européia moderna, onde padrões aliterativos não são formais ou transportados por estrofes completos. A aliteração é particularmente útil em idiomas com estruturas de rima menos ricas.
Assonância, onde o uso de sons de vogais semelhantes dentro de uma palavra em vez de sons semelhantes no início ou no final de uma palavra, foi amplamente utilizada na poesia skaldic, mas remonta ao épico homérico. Como os verbos carregam grande parte do campo no idioma inglês, as assonâncias podem evocar frouxamente os elementos tonais da poesia chinesa e, portanto, são úteis na tradução da poesia chinesa. A consonância ocorre quando um som consoante é repetido em uma frase sem colocar o som apenas na frente de uma palavra. A consonância provoca um efeito mais sutil que a aliteração e, portanto, é menos útil como um elemento estrutural.
Rhyming schemes
Em muitas línguas, incluindo idiomas europeus modernos e árabe, os poetas usam rima em padrões de conjunto como um elemento estrutural para formas poéticas específicas, como baladas, sonetos e dísticos rimados. No entanto, o uso de rima estrutural não é universal, mesmo dentro da tradição européia. Muita poesia moderna evita esquemas tradicionais de rima. A poesia grega e latina clássica não usava rima. A rima entrou na poesia européia na Idade Média, em parte sob a influência da língua árabe em Al Andalus (Espanha moderna). Os poetas da língua árabe usavam rima extensivamente do primeiro desenvolvimento de árabe literário no século VI, como em seus qasidas longos e rimando. Alguns esquemas de rima tornaram -se associados a uma linguagem, cultura ou período específica, enquanto outros esquemas de rima alcançaram o uso entre idiomas, culturas ou períodos de tempo. Algumas formas de poesia carregam um esquema de rima consistente e bem definido, como o Chant Royal ou o Rubaiyat, enquanto outras formas poéticas têm esquemas de rima variáveis.
A maioria dos esquemas de rima é descrita usando letras que correspondem a conjuntos de rimas; portanto, se a primeira, segunda e quarta linhas de uma rima de quadra entre si e a terceira linha não rima, diz-se que a quadra tem um "AA-BA" esquema de rimas. Esse esquema de rima é o usado, por exemplo, na forma rubaiyat. Da mesma forma, uma quadra "A-BB-A" (o que é conhecido como "rima fechado") é usada em formas como o soneto Petrarchan. Alguns tipos de esquemas de rima mais complicados desenvolveram nomes próprios, separados da convenção "A-BC", como a Ottava Rima e Terza Rima. Os tipos e o uso de diferentes esquemas de rima são discutidos mais adiante no artigo principal.
Forma em poesia
A forma poética é mais flexível na poesia modernista e pós-modernista e continua sendo menos estruturada do que nas épocas literárias anteriores. Muitos poetas modernos evitam estruturas ou formas reconhecíveis e escrevem em verso livre. O verso livre, no entanto, não é "sem forma", mas composto por uma série de elementos prosodic mais sutis e mais flexíveis. Assim, a poesia permanece, em todos os seus estilos, distinguida da prosa por forma; Alguns consideram as estruturas formais básicas de poesia em todas as variedades de verso livre, por mais que essas estruturas pareçam ter sido ignoradas. Da mesma forma, na melhor poesia escrita em estilos clássicos, haverá partidas da forma estrita para ênfase ou efeito.
Entre os principais elementos estruturais usados na poesia estão a linha, a estrofe ou o parágrafo do verso e combinações maiores de estrofes ou linhas como cantos. Às vezes, às vezes usados são apresentações visuais mais amplas de palavras e caligrafia. Essas unidades básicas de forma poética são frequentemente combinadas em estruturas maiores, chamadas formas poéticas ou modos poéticos (consulte a seção a seguir), como no soneto.
Lines and stanzasA poesia é frequentemente separada em linhas em uma página, em um processo conhecido como lineação. Essas linhas podem ser baseadas no número de pés métricos ou podem enfatizar um padrão de rima nas extremidades das linhas. As linhas podem servir a outras funções, particularmente quando o poema não é escrito em um padrão métrico formal. As linhas podem separar, comparar ou contrastar pensamentos expressos em diferentes unidades ou podem destacar uma mudança de tom. Veja o artigo On -Line Breaks para obter informações sobre a divisão entre as linhas.
Linhas de poemas são frequentemente organizadas em estrofes, que são denominadas pelo número de linhas incluídas. Assim, uma coleção de duas linhas é um dístico (ou distich), três linhas um trigêmeo (ou tercet), quatro linhas por quadra e assim por diante. Essas linhas podem ou não se relacionar por rima ou ritmo. Por exemplo, um dístico pode ser duas linhas com medidores idênticos que rimam ou duas linhas mantidas unidas por um medidor comum sozinho.
Outros poemas podem ser organizados em parágrafos de versos, nos quais não são usadas rimas regulares com ritmos estabelecidos, mas o tom poético é estabelecido por uma coleção de ritmos, aliterações e rimas estabelecidas em forma de parágrafo. Muitos poemas medievais foram escritos em parágrafos de versos, mesmo onde rimas e ritmos regulares foram usados.
Em muitas formas de poesia, as estrofes estão entrelaçadas, de modo que o esquema de rima ou outros elementos estruturais de uma estrofe determine os de estrofes seguintes. Exemplos de tais estrofes interligadas incluem, por exemplo, o Ghazal e o Villanelle, onde um refrão (ou, no caso da villanela, se refresca) é estabelecido na primeira estrofe que se repete nas estrofes subsequentes. Relacionado ao uso de estrofes interligadas está seu uso para separar partes temáticas de um poema. Por exemplo, o estrofe, o antistrofe e o epodo da forma de ODE são frequentemente separados em uma ou mais estrofes.
Em alguns casos, particularmente uma poesia formal mais longa, como algumas formas de poesia épica, as próprias estrofes são construídas de acordo com regras estritas e depois combinadas. Na poesia skaldic, a estrofe dróttkvætt tinha oito linhas, cada uma com três "elevadores" produzidos com aliteração ou assonância. Além de duas ou três aliterações, as linhas de números ímpares tinham rima parcial de consoantes com vogais diferentes, não necessariamente no início da palavra; As linhas uniformes continham rima interna em sílabas definidas (não necessariamente no final da palavra). Cada meia linha tinha exatamente seis sílabas e cada linha terminava em um trochee. O arranjo de Dróttkvætts seguiu regras muito menos rígidas do que a construção do Dróttkvætts individuais.
Visual presentationMesmo antes do advento da impressão, a aparência visual da poesia geralmente adicionava significado ou profundidade. Os poemas acrósticos transmitiam significados nas letras iniciais das linhas ou em letras em outros locais específicos de um poema. Em árabe, hebraico e poesia chinesa, a apresentação visual de poemas finamente caligrafados teve um papel importante no efeito geral de muitos poemas.
Com o advento da impressão, os poetas ganharam maior controle sobre as apresentações visuais produzidas em massa de seu trabalho. Os elementos visuais se tornaram uma parte importante da caixa de ferramentas do poeta, e muitos poetas procuraram usar a apresentação visual para uma ampla gama de propósitos. Alguns poetas modernistas tornaram a colocação de linhas ou grupos de linhas individuais na página uma parte integrante da composição do poema. Às vezes, isso complementa o ritmo do poema através de cesuras visuais de vários comprimentos ou cria justaposições para acentuar o significado, ambiguidade ou ironia, ou simplesmente criar uma forma esteticamente agradável. Em sua forma mais extrema, isso pode levar a poesia concreta ou escrita assemica.
Dicção
A dicção poética trata a maneira pela qual a linguagem é usada e se refere não apenas ao som, mas também ao significado subjacente e à sua interação com som e forma. Muitas línguas e formas poéticas têm dicções poéticas muito específicas, a ponto de gramáticas e dialetos distintos são usados especificamente para poesia. Os registros em poesia podem variar de um emprego rigoroso de padrões de fala comuns, como favoritos em prosódia muito do final do século XX, através de usos altamente ornamentados da linguagem, como na poesia medieval e renascentista.
A dicção poética pode incluir dispositivos retóricos como símile e metáfora, além de tons de voz, como ironia. Aristóteles escreveu na poética que "a melhor coisa de longe é ser um mestre da metáfora". Desde a ascensão do modernismo, alguns poetas optaram por uma dicção poética que enfatiza dispositivos retóricos, tentando a apresentação direta de coisas e experiências e a exploração do tom. Por outro lado, os surrealistas empurraram dispositivos retóricos para seus limites, fazendo uso frequente da catacrese.
As histórias alegóricas são centrais para a dicção poética de muitas culturas e foram proeminentes no Ocidente durante os tempos clássicos, no final da Idade Média e no Renascimento. As fábulas de Aesop, renderizadas repetidamente em verso e prosa desde que foram registradas pela primeira vez cerca de 500 aC, são talvez a fonte mais rica de poesia alegórica através dos tempos. Outros exemplos de notáveis incluem o Roman de la Rose, um poema francês do século XIII, o Piers Plowman de William Langland no século XIV e as fábulas de Jean de la Fontaine (influenciadas pela Esopo) no século XVII. Em vez de ser totalmente alegórico, no entanto, um poema pode conter símbolos ou alusões que aprofundam o significado ou efeito de suas palavras sem construir uma alegoria completa.
Outro elemento da dicção poética pode ser o uso de imagens vívidas para efeito. A justaposição de imagens inesperadas ou impossíveis é, por exemplo, um elemento particularmente forte na poesia surrealista e no haiku. Imagens vívidas são frequentemente dotadas de simbolismo ou metáfora. Muitas dicções poéticas usam frases repetitivas para efeito, uma frase curta (como o "Dawn Rosy-Dingered" de Homer ou "o mar escuro para o vinho") ou um refrão mais longo. Essa repetição pode adicionar um tom sombrio a um poema, ou pode ser atribuído à ironia à medida que o contexto das palavras muda.
Formulários
Formas poéticas específicas foram desenvolvidas por muitas culturas. Em formas poéticas mais desenvolvidas, fechadas ou "recebidas", o esquema de rima, o medidor e outros elementos de um poema são baseados em conjuntos de regras, variando das regras relativamente soltas que governam a construção de uma elegia à estrutura altamente formalizada do Ghazal ou Villanelle. Abaixo estão descritos algumas formas comuns de poesia amplamente usadas em vários idiomas. Formas adicionais de poesia podem ser encontradas nas discussões da poesia de culturas ou períodos específicos e no glossário.
Soneto
Entre as formas mais comuns de poesia, populares do final da Idade Média, está o soneto, que no século XIII havia se padronizado como catorze linhas após um esquema de rima e estrutura lógica. No século XIV e o Renascimento italiano, a forma havia se cristalizado sob a caneta de Petrarch, cujos sonetos foram traduzidos no século XVI por Sir Thomas Wyatt, que é creditado por introduzir a forma de soneto na literatura inglesa. Um italiano tradicional ou O soneto de Petrarchan segue o esquema de rima Abba, ABBA, CDECDE, embora alguma variação, talvez a mais comum seja CDCDCD, especialmente dentro das seis linhas finais (ou sestet), é comum. O soneto inglês (ou shakespeare) segue o esquema de rima Abab, CDCD, EFEF, GG, introduzindo uma terceira quadra (agrupamento de quatro linhas), um dístico final e uma quantidade maior de variedade em relação à rima do que geralmente é encontrada em seu Predecessores italianos. Por convenção, os sonetos em inglês normalmente usam o pentâmetro iâmbico, enquanto nos idiomas romances, o Hendecasylablable e Alexandrine são os medidores mais utilizados.
Os sonetos de todos os tipos costumam usar um Volta, ou "Turn", um ponto no poema em que uma idéia é virada de cabeça para baixo, uma pergunta é respondida (ou introduzida) ou o assunto é ainda mais complicado. Este Volta geralmente pode assumir a forma de uma declaração "mas" contradizendo ou complicando o conteúdo das linhas anteriores. No soneto de Petrarchan, o turno tende a cair na divisão entre as duas primeiras quadras e o sestet, enquanto os sonetos ingleses geralmente o colocam no início ou perto do dístico de fechamento.
Os sonetos estão particularmente associados à alta dicção poética, imagens vívidas e amor romântico, em grande parte devido à influência de Petrarch, bem como aos primeiros praticantes de inglês, como Edmund Spenser (que deu seu nome ao soneto Spenseriano), Michael Drayton e Shakespeare , cujos sonetos estão entre os mais famosos da poesia inglesa, com vinte sendo incluídos no Livro de Oxford do Verso Inglês. No entanto, as reviravoltas associadas ao Volta permitem uma flexibilidade lógica aplicável a muitos assuntos. Poetas desde os primeiros séculos do soneto até o presente utilizaram o formulário para abordar tópicos relacionados à política (John Milton, Percy Bysshe Shelley, Claude McKay), Teologia (John Donne, Gerard Manley Hopkins), Guerra (Wilfred Owen, E.E. Cummings ) e gênero e sexualidade (Carol Ann Duffy). Além disso, autores pós -modernos, como Ted Berrigan e John Berryman, desafiaram as definições tradicionais da forma do soneto, tornando sequências inteiras de "sonetos" que geralmente não têm rima, uma progressão lógica clara ou mesmo uma contagem consistente de quatorze linhas.
Shi
Shi (chinês simplificado: 诗; chinês tradicional: 詩; pinyin: Shī; Wade -Giles: Shih) é o principal tipo de poesia chinesa clássica. Dentro dessa forma de poesia, as variações mais importantes são o verso de "música folclórica" (Yuefu), verso "antigo" (Gushi), verso "estilo moderno" (Jintishi). Em todos os casos, a rima é obrigatória. O Yuefu é uma balada folclórica ou um poema escrito no estilo da balada folclórica, e o número de linhas e o comprimento das linhas podem ser irregulares. Para as outras variações da poesia shi, geralmente uma linha de quatro (quadra, ou jueju) ou um poema de oito linhas é normal; De qualquer maneira, com as linhas uniformes rimando. O comprimento da linha é digitalizado por um número de caracteres (de acordo com a convenção de que um caractere é igual a uma sílaba) e tem predominantemente de cinco ou sete caracteres, com uma Caesura antes das três sílabas finais. As linhas geralmente são paradas, consideradas uma série de dísticos, e exibem paralelismo verbal como um dispositivo poético-chave. O verso do "estilo antigo" (Gushi) é menos formalmente rigoroso que o Jintishi, ou verso regulamentado, que, apesar do nome "novo estilo", o verso realmente teve sua base teórica estabelecida até Shen Yue (441-513 CE), Embora não seja considerado ter atingido todo o seu desenvolvimento até o tempo de Chen Zi'ang (661-702 CE). Um bom exemplo de um poeta conhecido por seus poemas de Gushi é Li Bai (701–762 CE). Entre suas outras regras, as regras de Jintishi regulam as variações tonais dentro de um poema, incluindo o uso de padrões de conjunto dos quatro tons de chinês médio. A forma básica de Jintishi (Sushi) possui oito linhas em quatro dísticos, com paralelismo entre as linhas no segundo e o terceiro dísticos. Os dísticos com linhas paralelas contêm conteúdo contrastante, mas uma relação gramatical idêntica entre as palavras. Jintishi geralmente tem uma rica dicção poética, cheia de alusão, e pode ter uma ampla gama de assuntos, incluindo história e política. Um dos mestres da forma foi du Fu (712–770 dC), que escreveu durante a dinastia Tang (século VIII).
Villanelle
O Villanelle é um poema de dezenove linhas, composto por cinco trigêmeos com uma quadra final; O poema é caracterizado por ter dois refrões, utilizados inicialmente na primeira e terceira linhas da primeira estrofe, e depois usada alternadamente no final de cada estrofe subsequente até a quadra final, que é concluída pelos dois refrões. As linhas restantes do poema têm uma rima alternada A-B. O Villanelle é usado regularmente no idioma inglês desde o final do século 19 por poetas como Dylan Thomas, W. H. Auden e Elizabeth Bishop.
Limerick
Um Limerick é um poema que consiste em cinco linhas e geralmente é engraçado. O ritmo é muito importante em Limericks para a primeira, segunda e quinta linhas devem ter sete a dez sílabas. No entanto, a terceira e a quarta linhas precisam apenas de cinco a sete. Todas as linhas devem rimar e ter o mesmo ritmo. Os praticantes do Limerick incluíram Edward Lear, Lord Alfred Tennyson, Rudyard Kipling, Robert Louis Stevenson.
Tanka
Tanka é uma forma de poesia japonesa não himyada, com cinco seções totalizando 31 em (unidades fonológicas idênticas a Morae), estruturadas em um padrão 5-7-5-7-7. Geralmente, há uma mudança no tom e no assunto entre a frase superior 5-7-5 e a frase 7-7 inferior. Tanka foi escrito desde o período de Asuka por poetas como Kakinomoto no Hitomaro (Fl. Final do século VII), numa época em que o Japão estava emergindo de um período em que grande parte de sua poesia seguia a forma chinesa. Tanka era originalmente a forma mais curta da poesia formal japonesa (que geralmente era chamada de "waka") e era usada mais fortemente para explorar temas pessoais do que públicos. No século X, Tanka havia se tornado a forma dominante de poesia japonesa, a ponto de o termo originalmente geral Waka ("poesia japonesa") passou a ser usada exclusivamente para Tanka. Tanka ainda está amplamente escrito hoje.
Haiku
O Haiku é uma forma popular de poesia japonesa não himyada, que evoluiu no século XVII a partir do Hokku, ou verso de abertura de um renku. Geralmente escrito em uma única linha vertical, o haiku contém três seções totalizando 17 em (Morae), estruturado em um padrão 5-7-5. Tradicionalmente, o haiku contém um kireji, ou uma palavra cortando, geralmente colocada no final de uma das três seções do poema, e um kigo, ou palavra da temporada. O expoente mais famoso do haiku foi Matsuo Bashō (1644-1694). Um exemplo de sua escrita:
富士の風や扇にのせて江戸土産fuji no kaze ya oogi ni nosete Edo miyagethe wind of Mt. FujiI've brought on my fan!a gift from EdoKhlong
O Khlong (โคลง, [Kʰlōːŋ]) está entre as formas poéticas tailandesas mais antigas. Isso se reflete em seus requisitos nas marcas de tom de certas sílabas, que devem ser marcadas com Mai Ek (ไม้ เอก, pronúncia tailandesa: [Máj èːk], ◌ ่) ou mai tho (ไม้ โท, [máj tʰōː], ◌ ้). Provavelmente, isso foi derivado de quando a língua tailandesa tinha três tons (em oposição aos cinco de hoje, uma divisão que ocorreu durante o período de Ayutthaya Kingdom), dois dos quais correspondiam diretamente às marcas mencionadas. Geralmente é considerado uma forma poética avançada e sofisticada.
Em Khlong, uma estrofe (Bot, บท, pronúncia tailandesa: [Bòt]) tem várias linhas (morcego, บาท, pronúncia tailandesa: [bàːt], de Pali e sânscrito pāda), dependendo do tipo. O morcego é subdividido em dois wak (วรรค วรรค, pronúncia tailandesa: [wák], do sânscrito Varga). O primeiro WAK tem cinco sílabas, o segundo tem um número de variável, também dependendo do tipo e pode ser opcional. O tipo de Khlong é nomeado pelo número de morcegos em uma estrofe; Também pode ser dividido em dois tipos principais: khlong suphap (โคลง สุภาพ, [kʰlōːŋ sù.pʰːp]) e khlong dan (โคลง ดั้น, [kʰlōːŋ dân]). Os dois diferem no número de sílabas no segundo wak das regras finais de rima de morcegos e inter-estanques.
Khlong si suphapO khlong si suphap (โคลง สี่ สุภาพ, [kʰlōːŋ sìː sù.pʰp]) é a forma mais comum ainda atualmente empregada. Possui quatro morcegos por estrofe (o SI traduz como quatro). O primeiro wak de cada morcego tem cinco sílabas. O segundo Wak tem duas ou quatro sílabas no primeiro e terceiro bastão, duas sílabas no segundo e quatro sílabas no quarto. O Mai Ek é necessário para sete sílabas e Mai Tho é necessário para quatro, como mostrado abaixo. As sílabas "Word Dead" são permitidas no lugar de sílabas que requerem Mai Ek, e alterar a ortografia das palavras para satisfazer os critérios é geralmente aceitável.
Tributo
Os odes foram desenvolvidos pela primeira vez por poetas escrevendo em grego antigo, como Pindar, e latim, como Horace. Formas de odes aparecem em muitas das culturas que foram influenciadas pelos gregos e latinos. O ode geralmente tem três partes: um estrofe, um antistrofe e um epodo. O estrofe e o antistrofe da Ode possuem estruturas métricas semelhantes e, dependendo da tradição, estruturas de rima semelhantes. Por outro lado, o epodo é escrito com um esquema e estrutura diferentes. Os ODEs têm uma dicção poética formal e geralmente lidam com um assunto sério. O estrofe e o antistrophe analisam o sujeito de diferentes perspectivas, muitas vezes conflitantes, com o epodo se movendo para um nível mais alto para visualizar ou resolver os problemas subjacentes. Os Odes costumam ser recitados ou cantados por dois coros (ou indivíduos), com o primeiro recitando o estrofe, o segundo a antistrofe e ambos juntos o epodo. Com o tempo, formas diferentes para ODEs se desenvolveram com variações consideráveis na forma e na estrutura, mas geralmente mostrando a influência original da ode pindárica ou horatia. Uma forma não ocidental que se assemelha à ode é a Qasida na poesia persa.
Ghazal
O Ghazal (também Ghazel, Gazel, Gazal ou Gozol) é uma forma de poesia comum em árabe, bengali, persa e urdu. Na forma clássica, o Ghazal tem de cinco a quinze dísticos rimados que compartilham um refrão no final da segunda linha. Esse refrão pode ser de uma ou várias sílabas e é precedido por uma rima. Cada linha tem um medidor idêntico. O Ghazal geralmente reflete sobre um tema de amor ou divindade inatingível.
Como em outras formas com uma longa história em vários idiomas, muitas variações foram desenvolvidas, incluindo formas com uma dicção poética quase-musical em urdu. Ghazals tem uma afinidade clássica com o sufismo, e várias grandes obras religiosas sufis são escritas em forma de Ghazal. O medidor relativamente constante e o uso do refrão produzem um efeito encantador, o que complementa bem os temas místicos sufi. Entre os mestres da forma está Rumi, um poeta persa do século XIII. Um dos poeta mais famoso desse tipo de poesia é Hafez, cujos poemas geralmente incluem o tema de expor hipocrisia. Sua vida e poemas têm sido objeto de muita análise, comentário e interpretação, influenciando mais o pós-século XVi persa escrevendo mais do que qualquer outro autor. O West-Östlicher Diwan de Johann Wolfgang von Goethe, uma coleção de poemas líricos, é inspirado no poeta persa Hafez.
Gêneros
Além de formas específicas de poemas, a poesia é frequentemente pensada em termos de diferentes gêneros e subgêneros. Um gênero poético é geralmente uma tradição ou classificação da poesia com base no assunto, estilo ou outras características literárias mais amplas. Alguns comentaristas veem os gêneros como formas naturais de literatura. Outros veem o estudo dos gêneros como o estudo de como diferentes obras se relacionam e se referem a outros trabalhos.
Poesia narrativa
A poesia narrativa é um gênero de poesia que conta uma história. Em termos gerais, inclui poesia épica, mas o termo "poesia narrativa" é frequentemente reservada para obras menores, geralmente com mais apelo ao interesse humano. A poesia narrativa pode ser o tipo mais antigo de poesia. Muitos estudiosos de Homer concluíram que sua Ilíada e Odisséia eram compostas por compilações de poemas narrativos mais curtos que relacionavam episódios individuais. Muita poesia narrativa - como baladas escocesas e inglesas, e poemas heróicos bálticos e eslavos - é poesia performática com raízes em uma tradição oral preliterada. Especulou -se que algumas características que distinguem poesia da prosa, como medidor, aliteração e Kennings, já serviram como ajuda à memória para bardos que recitaram contos tradicionais.
Poetas narrativas notáveis incluíram Ovídio, Dante, Juan Ruiz, William Langland, Chaucer, Fernando de Rojas, Luís de Camões, Shakespeare, Alexander Pope, Robert Burns, Adam Mickiewicz, Alexander Pushkin, Edgar Allan Poe, Alfred Tennyson e Annyson.
Poesia lírica
A poesia lírica é um gênero que, diferentemente da poesia épica e dramática, não tenta contar uma história, mas é de natureza mais pessoal. Os poemas desse gênero tendem a ser mais curtos, melódicos e contemplativos. Em vez de retratar personagens e ações, ele retrata os próprios sentimentos, estados de espírito e percepções do poeta. Os poetas notáveis deste gênero incluem Christine de Pizan, John Donne, Charles Baudelaire, Gerard Manley Hopkins, Antonio Machado e Edna St. Vincent Millay.
Poesia épica
A poesia épica é um gênero de poesia e uma grande forma de literatura narrativa. Esse gênero é frequentemente definido como poemas longos sobre eventos de natureza heróica ou importante para a cultura da época. Ele relata, em uma narrativa contínua, a vida e as obras de uma pessoa ou grupo de pessoas heróicas ou mitológicas. Examples of epic poems are Homer's Iliad and Odyssey, Virgil's Aeneid, the Nibelungenlied, Luís de Camões' Os Lusíadas, the Cantar de Mio Cid, the Epic of Gilgamesh, the Mahabharata, Lönnrot's Kalevala, Valmiki's Ramayana, Ferdowsi's Shahnama, Nizami (or Nezami ) Khamse (cinco livros) e o épico do rei Gesar. Enquanto a composição da poesia épica e de longos poemas geralmente se tornou menos comum no Ocidente após o início do século XX, alguns épicos notáveis continuaram sendo escritos. Os cantos de Ezra Pound, Helen, no Egito, por H.D. e Paterson (poema) de William Carlos Williams são exemplos de épicos modernos. Derek Walcott ganhou um Prêmio Nobel em 1992, em grande parte, com base em seu épico, Omeros.
Poesia satírica
A poesia pode ser um veículo poderoso para a sátira. Os romanos tinham uma forte tradição de poesia satírica, geralmente escrita para fins políticos. Um exemplo notável é as sátiras do poeta romano.
O mesmo se aplica à tradição satírica inglesa. John Dryden (um conservador), o primeiro poeta laureado, produzido em 1682 Mac Flecknoe, legendado "Uma sátira no verdadeiro poeta protestante azul, T.S." (Uma referência a Thomas Shadwell). Os poetas satíricos fora da Inglaterra incluem a ignição da Polônia Krasicki, o Sabir do Azerbaijão, Manuel Maria Barbosa du Bocage, de Portugal, e Kim Kirim, da Coréia, especialmente notado por seu Gisangdo.
Elegia
Uma elegia é um poema triste, melancólico ou lamentável, especialmente um lamento para os mortos ou uma música fúnebre. O termo "elegia", que originalmente denotava um tipo de medidor poético (medidor elegíaco), geralmente descreve um poema de luto. Uma elegia também pode refletir algo que parece ao autor ser estranho ou misterioso. A elegia, como uma reflexão sobre uma morte, em uma tristeza de maneira mais geral, ou em algo misterioso, pode ser classificado como uma forma de poesia lírica.
Notable practitioners of elegiac poetry have included Propertius, Jorge Manrique, Jan Kochanowski, Chidiock Tichborne, Edmund Spenser, Ben Jonson, John Milton, Thomas Gray, Charlotte Smith, William Cullen Bryant, Percy Bysshe Shelley, Johann Wolfgang von Goethe, Evgeny Baratynsky, Alfred Tennyson, Walt Whitman, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, William Butler Yeats, Rainer Maria Rilke e Virginia Woolf.
Fábula do verso
A fábula é um gênero literário antigo, geralmente (embora não invariavelmente) situado em verso. É uma história sucinta que apresenta animais antropomorfosos, criaturas lendárias, plantas, objetos inanimados ou forças da natureza que ilustram uma lição moral (uma "moral"). As fábulas de verso usaram uma variedade de padrões de medidor e rima.
Os fabulistas notáveis de versos incluíram Aesop, Vishnu Sarma, Phaedrus, Marie de France, Robert Henryson, Biernat de Lublin, Jean de la Fontaine, Ignacy Krasicki, Félix María de Samaniego, Tomás de Iriarte, Ivan Krylov e Amerbrose Bier.
Poesia dramática
A poesia dramática é drama escrita em verso a ser falada ou cantada e aparece em formas variadas, às vezes relacionadas em muitas culturas. A tragédia grega em versos data do século VI aC e pode ter sido uma influência no desenvolvimento do drama sânscrito, assim como o drama indiano, por sua vez, parece ter influenciado o desenvolvimento dos dramas de versos de Bianwen na China, precursores da ópera chinesa. Os dramas de versos do leste asiático também incluem o japonês NOH. Exemplos de poesia dramática na literatura persa incluem as duas famosas obras dramáticas de Nizami, Layla e Majnun e Khosrow e Shirin, tragédias de Ferdowsi como Rostam e Sohrab, Masnavi de Rumi, a tragédia de Gorgani de Vis e Ramin, e Vahshi, de Vahihhhhhhhad. Poetas americanos da poesia dramática do século XX, incluindo Ezra Pound em "Sestina: Altaforte", T.S. Eliot com "The Love Song of J. Alfred Prufrock".
Poesia especulativa
A poesia especulativa, também conhecida como poesia fantástica (da qual poesia estranha ou macabra é uma subclassificação importante), é um gênero poético que lida tematicamente com assuntos que estão "além da realidade", seja por extrapolação como na ficção científica ou via estranho e Temas horríveis como em ficção de terror. Essa poesia aparece regularmente nas revistas modernas de ficção científica e ficção de terror. Edgar Allan Poe às vezes é visto como o "pai da poesia especulativa". A conquista mais notável de Poe no gênero foi sua antecipação, por três quartos de século, da teoria do Big Bang da origem do universo, em seu então ensaio de 1848, então muito mais especulativo, ele denominado "Prose Poema"), Eureka: um poema em prosa.
Poesia em prosa
A poesia em prosa é um gênero híbrido que mostra atributos da prosa e da poesia. Pode ser indistinguível da micro-história (também conhecida como "conto curto", "Flash Fiction"). Enquanto alguns exemplos de leitores modernos da prosa anterior como poesia poética, a poesia em prosa é comumente considerada como tendo se originado na França do século XIX, onde seus praticantes incluíam Aloysius Bertrand, Charles Baudelaire, Stéphane Mallarmé e Arthur Rimbaud. Desde o final dos anos 80, especialmente, a poesia em prosa ganhou popularidade crescente, com periódicos inteiros, como o poema em prosa: uma revista internacional, Haibun contemporânea on -line e Haibun hoje dedicados a esse gênero e seus híbridos. Os poetas latino -americanos do século XX que escreveram poemas em prosa incluem Octavio Paz e Alejandra Pizarnik.
Poesia leve
A poesia leve, ou verso leve, é poesia que tenta ser humorística. Os poemas considerados "luz" geralmente são breves e podem estar em um assunto frívolo ou sério, e geralmente apresentam jogo de palavras, incluindo trocadilhos, rima aventureira e aliteração pesada. Embora alguns poetas de versos livres tenham se destacado em versículo claro fora da tradição formal do verso, o versículo leve em inglês geralmente obedece a pelo menos algumas convenções formais. As formas comuns incluem o Limerick, o CleriHew e o duplo dactyl.
Enquanto a poesia leve é às vezes condenada como Doggerel, ou pensada como poesia composta casualmente, o humor geralmente faz um ponto sério de uma maneira sutil ou subversiva. Muitos dos mais renomados poetas "sérios" também se destacaram no verso da luz. Os escritores notáveis da poesia leve incluem Lewis Carroll, Ogden Nash, X. J. Kennedy, Willard R. Espy, Shel Silverstein e Wendy Cope.
concurso de poesias
A poesia do SLAM como gênero se originou em 1986 em Chicago, Illinois, quando Marc Kelly Smith organizou o primeiro slam. Os artistas do SLAM comentam em voz alta, diante de uma audiência, sobre assuntos pessoais, sociais ou outros. Slam se concentra na estética do jogo de palavras, entonação e inflexão de voz. A poesia do SLAM é frequentemente competitiva, em concursos dedicados "poesia Slam".
Poesia de desempenho
A poesia performática, semelhante ao SLAM, pois ocorre diante de uma audiência, é um gênero de poesia que pode fundir uma variedade de disciplinas na apresentação de um texto, como dança, música e outros aspectos da arte performática.
Acontecimentos de idioma
O termo que acontece foi popularizado pelos movimentos Avante Garde na década de 1950 e por performances espontâneas específicas do local. Acontecedores de idiomas, denominados a partir do objeto coletivo da poética: o paraíso em 2018, são eventos que se concentram menos na poesia como um gênero literário prescritivo, mas mais como um ato linguístico descritivo e desempenho, geralmente incorporando formas mais amplas de arte performática enquanto a poesia é lida ou criada naquele momento.
Veja também
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