Arte da Europa
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Arte pré -histórica
A arte pré -histórica européia é uma parte importante do patrimônio cultural europeu. A história da arte pré -histórica é geralmente dividida em quatro períodos principais: Idade da Pedra, Neolítica, Idade do Bronze e Idade do Ferro. A maioria dos artefatos restantes desse período são pequenas esculturas e pinturas de cavernas.
Muita arte pré -histórica sobrevivente são pequenas esculturas portáteis, com um pequeno grupo de figuras de Vênus, como o Vênus de Willendorf (24.000 a 22.000 aC) encontrado na Europa Central; A estatueta Löwenmensch de 30 cm de altura de cerca de 30.000 aC quase tem peças que podem estar relacionadas a ela. A rena de natação de cerca de 11.000 AEC é uma das melhores de várias esculturas em ossos ou chifres de animais na arte do paleolítico superior, embora sejam superados em número por peças gravadas, que às vezes são classificadas como escultura. Com o início do mesolítico na Europa, a escultura figurativa reduzida muito reduzida e permaneceu um elemento menos comum na arte do que a decoração de alívio de objetos práticos até o período romano, apesar de alguns trabalhos como o caldeirão de gundestrup da Idade Europeia do Ferro e da Idade do Bronze. Sun Chariot.
A arte da caverna européia mais antiga remonta a 40.800 e pode ser encontrada na caverna El Castillo na Espanha. Outros locais de pintura de cavernas incluem Lascaux, Caverna de Altamira, Grotte de Cussac, Pech Merle, Caverna de Niaux, Caverna de Chauvet, font-de-gaume, Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra, (gravuras e bases de bases descobertas em 2003), Caverna de Coliboaia da Romênia (considerada a pintura mais antiga das cavernas da Europa Central) e Magura, Belogradchik, Bulgária. A pintura rupestre também foi realizada em rostos de penhasco, mas menos delas sobreviveram por causa da erosão. Um exemplo bem conhecido são as pinturas rochosas de Astuvansalmi na área de Saimaa, na Finlândia. Quando Marcelino Sanz de Sautuola encontrou as pinturas Magdalenianas da Caverna de Altamira, Cantábria, Espanha em 1879, os acadêmicos da época os consideravam fraudes. Reavaliações recentes e inúmeras descobertas adicionais demonstraram sua autenticidade, ao mesmo tempo em que estimulam o interesse na arte dos povos paleolíticos superiores. As pinturas das cavernas, realizadas apenas com as ferramentas mais rudimentares, também podem fornecer informações valiosas sobre a cultura e as crenças daquela época.
A arte rupestre da bacia do Mediterrâneo Ibérico representa um estilo muito diferente, com a figura humana o foco principal, muitas vezes visto em grandes grupos, com batalhas, dançando e caçando todas representadas, além de outras atividades e detalhes como roupas. Os números são geralmente representados de maneira esboçada em tinta fina, com as relações entre os grupos de humanos e animais mais cuidadosamente representados do que as figuras individuais. Outros grupos menos numerosos de arte rupestre, muitos gravados em vez de pintados, mostram características semelhantes. Acredita -se que os exemplos ibéricos datam de um longo período, talvez cobrindo o Paleolítico Superior, Mesolítico e Neolítico.
A arte celta pré-histórica vem de grande parte da Idade do Ferro da Europa e sobrevive principalmente na forma de metais de alto status, habilmente decorados com designs complexos, elegantes e principalmente abstratos, geralmente usando formas curvas e em espiral. Existem cabeças humanas e alguns animais totalmente representados, mas figuras humanas completas em qualquer tamanho são tão raras que sua ausência pode representar um tabu religioso. À medida que os romanos conquistaram territórios celtas, ele desaparece quase inteiramente, mas o estilo continuou em uso limitado nas Ilhas Britânicas e com a vinda do cristianismo revivido lá no estilo insular do início da Idade Média.
Pinturas de cavernas de Cavernas Lascaux (Montignac, Dordogne, França)
Bison lambendo a mordida de insetos; 15.000 a 13.000 aC; chifre; Museu Nacional de Pré-História (Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil, França)
O Pensador; pela cultura Hamangia da Romênia; c. 5000 aC; terracota; altura: 11,5 cm (41⁄2 pol.); Museu Nacional de História Romena (Bucareste)
Figura feminina; pela cultura Vinča da Sérvia; 4500-3500 aC; argila disparada com tinta; Geral: 16,1 cm; Museu de Arte de Cleveland (Ohio, EUA)
Antigo
Minóico
A civilização minóica de Creta é considerada a civilização mais antiga da Europa. A arte minóica é marcada por imagens imaginativas e mão de obra excepcional. Sinclair Hood descreveu uma "qualidade essencial da melhor arte minóica, a capacidade de criar uma atmosfera de movimento e vida, apesar de seguir um conjunto de convenções altamente formais". Ele faz parte do agrupamento mais amplo da arte do mar Egeu e, em períodos posteriores, chegou por um tempo para ter uma influência dominante sobre a arte cicládica. A madeira e os têxteis se decompunham, portanto, os exemplos de arte minóica são cerâmicos, focas minóticas esculpidas por escalas, que os afrescos.
A relação da arte minóica com a de outras culturas contemporâneas e mais tarde arte grega antiga foi muito discutida. Dominou claramente a arte micênica e a arte cícládica dos mesmos períodos, mesmo depois que Creta foi ocupada pelos micênicos, mas apenas alguns aspectos da tradição sobreviveram à idade das trevas gregas após o colapso da Grécia Micênia.
A arte minóica tem uma variedade de assuntos, grande parte de uma mídia diferente, embora apenas alguns estilos de cerâmica incluam cenas figurativas. A folha de touros aparece na pintura e vários tipos de escultura, e acredita-se que tenha tido um significado religioso; As cabeças de Bull também são um assunto popular em terracota e outros materiais esculturais. Não há figuras que parecem ser retratos de indivíduos, ou são claramente reais, e as identidades de figuras religiosas são frequentemente tentativas, com os estudiosos incertos se são divindades, clero ou devotos. Da mesma forma, se os quartos pintados eram "santuários" ou seculares estão longe de ser claros; Um quarto em Akrotiri foi argumentado como um quarto, com restos de cama ou um santuário.
Os animais, incluindo uma variedade incomum de fauna marinha, são frequentemente retratados; O "estilo marinho" é um tipo de cerâmica do palácio pintada de MM III e LM IA que pinta criaturas marinhas, incluindo polvo que se espalham por toda a embarcação e provavelmente se originou de cenas de afrescos semelhantes; Às vezes, eles aparecem em outras mídias. Cenas de caça e guerra, e cavalos e cavaleiros, são encontrados principalmente em períodos posteriores, em obras talvez feitas por cretense para um mercado micênico, ou senhores micênicos de Creta.
Embora os números minóicos, sejam humanos ou animais, tenham um grande senso de vida e movimento, eles geralmente não são muito precisos, e às vezes é impossível identificar; Em comparação com a arte egípcia antiga, eles geralmente são mais vívidos, mas menos naturalistas. Em comparação com a arte de outras culturas antigas, há uma alta proporção de figuras femininas, embora a idéia de que os minóico tivessem apenas deusas e nenhum deuses agora seja descontado. A maioria das figuras humanas está em perfil ou em uma versão da convenção egípcia com a cabeça e as pernas no perfil, e o torso visto frontalmente; Mas as figuras minóticas exageram características como cinturas finas masculinas e seios femininos grandes.
Kamares Ware Baked Jug; 1850-1675 aC; cerâmica; Altura: 27 cm; de Phaistos (Creta, Grécia); Museu Arqueológico Heraklion (Grécia)
O pendente de Malia; 1800-1700 aC; ouro; Altura: 4,6 cm, largura: 4,9 cm; Museu Arqueológico Heraklion
O afresco nomeou o afresco de folha de touro; 1675-1460 aC; gesso de cal; Altura: 0,8 m, largura: 1 m; do palácio de Knossos (Creta); Museu Arqueológico Heraklion
Fatueta de "deusa da cobra"; 1460-1410 aC (do período neo-palatial minóico); faiança; Altura: 29,5 cm; do repositório do templo em Knossos; Museu Arqueológico Heraklion
Grego clássico e helenístico
A Grécia antiga tinha grandes pintores, grandes escultores e grandes arquitetos. O Parthenon é um exemplo de sua arquitetura que durou nos dias modernos. A escultura de mármore grega é frequentemente descrita como a forma mais alta de arte clássica. A pintura sobre a cerâmica da Grécia antiga e a cerâmica dá um vislumbre particularmente informativo sobre a maneira como a sociedade na Grécia antiga funcionava. A pintura de vasos de figuras pretas e a pintura de vasos de figuras vermelhas fornecem muitos exemplos sobreviventes do que era a pintura grega. Alguns pintores gregos famosos em painéis de madeira mencionados nos textos são Apelles, Zeuxis e Parrhasius, no entanto, nenhum exemplo de pintura de painel grego antigo sobrevive, apenas descrições escritas por seus contemporâneos ou por romanos posteriores. Zeuxis viveu em 5 a 6 aC e foi considerado o primeiro a usar Sfumato. Segundo Plínio, o Velho, o realismo de suas pinturas era tal que os pássaros tentavam comer as uvas pintadas. Apelles é descrito como o maior pintor da antiguidade para técnica perfeita em desenho, cores brilhantes e modelagem.
O prêmio panathenaic do Painter Eufileto; 530 aC; terracota pintada; Altura: 62,2 cm; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
O Bronze Artemision; 460-450 aC; bronze; Altura: 2,1 m; Museu Arqueológico Nacional (Atenas)
O Parthenon na Acrópole ateniense, o templo grego dórico mais icônico construído de mármore e calcário entre cerca de 460-406 aC, dedicado à deusa Athena
Espelhe com um apoio na forma de uma mulher drapeada; meados do século V aC; bronze; Altura: 40,41 cm; Museu Metropolitano de Arte
Calyx-Krater; 400-375 aC; cerâmica; Altura: 27,9 cm, diâmetro: 28,6 cm; de Tebas (Grécia); Louvre
O grave alívio de Thrasas e Eundria; 375-350 aC; Mármore pentelico; Altura: 160 cm, largura: 91 cm; Museu Pergamon (Berlim)
Krater de voluta; 320-310 aC; cerâmica; Altura: 1,1 m; Walters Art Museum (Baltimore, EUA)
Estatueta de uma mulher drapeada; Século II aC; terracota; Altura: 29,2 cm; Museu Metropolitano de Arte
Venus de Milo; 130–100 aC; mármore; Altura: 203 cm (80 pol); Louvre
Laocoön e seus filhos; início do primeiro século aC; mármore; Altura: 2,4 m; Museus do Vaticano (cidade do Vaticano)
Mosaico que representa a epifania de dionísio; DC do século II; da vila de Dionísio (Dion, Grécia); Museu Arqueológico de Dion
Ilustrações de exemplos de ornamentos e padrões gregos antigos, desenhados em 1874
romano
A arte romana foi influenciada pela Grécia e, em parte, pode ser tomada como descendente de pintura e escultura grega antiga, mas também foi fortemente influenciada pela arte etrusca mais local da Itália. A escultura romana é principalmente retrato derivado das classes altas da sociedade, bem como representações dos deuses. No entanto, a pintura romana tem características únicas importantes. Entre as pinturas romanas sobreviventes estão as pinturas de parede, muitas de Villas na Campânia, no sul da Itália, especialmente em Pompéia e Herculano. Essa pintura pode ser agrupada em quatro "estilos" ou períodos principais e pode conter os primeiros exemplos de trompe-l'il, pseudo-perspectiva e paisagem pura.
Quase todos os retratos pintados sobreviventes do mundo antigo são um grande número de caixões-de-busto encontrados no tardio cemitério de Al-Fayum. Eles dão uma idéia da qualidade que o melhor trabalho antigo deve ter tido. Um número muito pequeno de miniaturas de livros ilustrados antigos tardios também sobrevive e um número bastante maior de cópias deles desde o início do período medieval. A arte cristã primitiva cresceu do popular popular, e posteriormente imperial, a arte e adaptou sua iconografia dessas fontes.
Estatueta de bronze de um filósofo em um suporte de lâmpada; final do século I aC; bronze; Geral: 27,3 cm; Peso: 2,9 kg; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
Augustus de Prima Porta; por volta de 20 aC; marmore branco; Altura: 2,06 m; Museus do Vaticano (cidade do Vaticano)
Restauração de um afresco de um quarto antigo da vila; 50-40 aC; Dimensões da sala: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
Altar com festões; por volta de 50 dC; mármore; Altura: 99,5 cm, largura: 61,5 cm, profundidade: 47 cm; Louvre
Calyx-Krater com relevos de donzes e maenads dançantes; Século I dC; Mármore pentelico; Altura: 80,7 cm; Museu Metropolitano de Arte
Vista panorâmica do panteão (Roma), construída entre 113 e 125
Chefe de uma deusa vestindo um diadema; Século II - XIX; mármore; Altura: 23 cm; Museu Metropolitano de Arte
Sofá e passarinho; Século II -XIX dC; madeira, osso e vidro; Couch: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Museu Metropolitano de Arte
Sarcófago com Apollo, Minerva e as Musas; por volta de 200 dC; de via Appia; Antikensammlung Berlin (Berlim)
Sarcófago com festões; 200–225; mármore; 134,6 x 223,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Triunfo de Netuno em pé sobre uma carruagem puxada por dois cavalos do mar; meados do século III; Museu Arqueológico de Sousse (Tunísia)
O mosaico tseus; 300-400 AD; Mármore e pedras de calcário; 4,1 x 4,2 m; Museu Kunsthistorisches (Viena, Áustria)
Medieval
A arte mais sobrevivente do período medieval era religiosa em foco, frequentemente financiada pela Igreja, indivíduos eclesiásticos poderosos, como bispos, grupos comunais como abadias ou patronos seculares ricos. Muitos tinham funções litúrgicas específicas - cruzamentos e peças -próspero, por exemplo.
Uma das questões centrais sobre a arte medieval diz respeito à sua falta de realismo. Um grande conhecimento de perspectiva na arte e na compreensão da figura humana foi perdido com a queda de Roma. Mas o realismo não era a principal preocupação dos artistas medievais. Eles estavam simplesmente tentando enviar uma mensagem religiosa, uma tarefa que exige imagens icônicas claras, em vez de renderizadas com precisão.
Período de tempo: século VI ao século XV
Arte medieval precoce
A arte do período de migração é um termo geral para a arte dos povos "bárbaros" que se mudaram para territórios anteriormente romanos. A arte celta nos séculos VII e VII viu uma fusão com tradições germânicas através do contato com os anglo-saxões criando o que é chamado de estilo hiberno-saxão ou arte insular, que seria altamente influente no resto da Idade Média. A arte merovingiana descreve a arte dos francos antes de 800, quando a arte carolíngia combinaram influências insulares com um renascimento clássico autoconsciente, desenvolvendo a arte ottoniana. A arte anglo-saxônica é a arte da Inglaterra após o período insular. Os manuscritos iluminados contêm quase toda a pintura sobrevivente do período, mas arquitetura, trabalho de metal e pequeno trabalho esculpido em madeira ou marfim também eram mídias importantes.
Fivela de Sutton Hoo; 580-620; ouro e niello; Comprimento: 13,1 cm; Museu Britânico (Londres)
O capacete de Sutton Hoo; início do século VII dC; liga de cobre, ferro, ouro e granada; Altura: 31,8 cm; Museu Britânico
Coloque de ombro de Sutton Hoo; início do século VII; ouro, vidro e granada; Comprimento: 12,7 cm; Museu Britânico
O incipit para Mateus do Livro de Lindisfarne; final do século VII; tinta e pigmentos em pergaminho; 34 x 25 cm; Biblioteca Britânica (Londres)
bizantino
A arte bizantina se sobrepõe ou se funde com o que chamamos de arte cristã antiga até o período de iconoclasmo de 730-843, quando a grande maioria das obras de arte com figuras foi destruída; Ainda há pouco que hoje qualquer descoberta lança um novo entendimento. Após 843 até 1453, há uma clara tradição de arte bizantina. Muitas vezes, é a melhor arte da Idade Média em termos de qualidade de material e mão de obra, com a produção centrada em Constantinopla. A conquista da coroação da arte bizantina foram os afrescos monumentais e os mosaicos dentro de igrejas abobadadas, a maioria das quais não sobreviveu devido a desastres naturais e à apropriação de igrejas para mesquitas.
Laje com um alívio representando a natividade de Jesus; Século IV e Direito; mármore; Museu Bizantino e Cristão (Atenas)
Apse da Igreja de Santa Maria Maggiore em Roma, decorada no século V com este mosaico glamouroso
Mosaicos em um teto e algumas paredes da Basílica de San Vitale em Ravenna (Itália), por volta de 547 AD
A pequena metrópole em Atenas, construída em datas desconhecidas, entre o século IX e o século XIII,
Camafeu; Séculos 10 e 11; Jasper, Almandine, Emerald e Chrysoprase; de Constantinopol; Museus de Moscou Kremlin (Rússia)
Lecionário do Evangelho; por volta de 1100; tempera, ouro e tinta no pergaminho e encadernação de couro; Geral: 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, fólio: 35 x 26,2 cm; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
Ícone da Trindade do Novo Testamento; por volta de 1450; Tempera e ouro no painel de madeira (álamo); Museu de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EUA)
Página de um manuscrito iluminado armênio; 1637-1638; Cores de temperos, tinta dourada e folha de ouro no pergaminho; Altura: 25,2 cm; Getty Center (Los Angeles)
Romanesco
A arte românica refere -se ao período de cerca de 1000 para a ascensão da arte gótica no século XII. Este foi um período de crescente prosperidade e o primeiro a ver um estilo coerente usado na Europa, da Escandinávia à Sicília. A arte românica é vigorosa e direta, era originalmente colorida e geralmente é muito sofisticada. Vidro de vitral e esmalte no metalwork se tornaram mídias importantes, e esculturas maiores na rodada se desenvolveram, embora o alto alívio tenha sido a principal técnica. Sua arquitetura é dominada por paredes grossas e janelas e arcos de cabeça redonda, com muito decoração esculpida.
Maria Laach Abbey (perto de Andernach, Alemanha), uma das igrejas românicas mais icônicas
Stone-releief de Jesus, da abadia de Vézelay (Borgonha, França)
Miniatura de São João Evangelista; antes de 1147; iluminação no pergaminho; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (França)
O apedrejamento de Saint Stephen; 1160s; fresco; Altura: 1,3 m; Saint John Abbey (Val Müstair, cantão de Grisons, Suíça)
gótico
A arte gótica é um termo variável, dependendo do ofício, local e horário. O termo se originou com a arquitetura gótica em 1140, mas a pintura gótica não apareceu até cerca de 1200 (essa data tem muitas qualificações), quando divergiu do estilo românico. A escultura gótica nasceu na França em 1144, com a reforma da Igreja da Abadia de S. Denis e se espalhou por toda a Europa, no século XIII, havia se tornado o estilo internacional, substituindo o românico. O International Gothic descreve a arte gótica de 1360 a 1430, após o que a arte gótica se funde à arte renascentista em momentos diferentes em diferentes lugares. Durante esse período, formas como pintura, no Fresco e no painel, tornam -se recentemente importantes, e o final do período inclui novas mídias, como impressões.
Parte do portal real; 1145-1155; calcário; Catedral de Chartres (Chartres, França)
Janelas de transepto norte; por volta de 1230-1235; vitrais; diâmetro (janela de rosa): 10,2 m; Catedral de Chartres
Cenas da lenda de São Vicente de Saragossa; 1245-1247; vidro de maconha, tinta vítrea e chumbo; Geral: 373,4 x 110,5 cm; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
Díptico francês com a coroação da Virgem e o último julgamento; 1260-1270; marfim de elefante com montagens de metal; Geral: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Museu Metropolitano de Arte
Virgem e criança entronizados; 1260-1280; marfim de elefante com vestígios de tinta e dourada; Geral: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Museu Metropolitano de Arte
Bifolium com os decretais de Gratian; por volta de 1290; Tempera e ouro no pergaminho, tinta marrom e encadernação de couro moderno; Geral: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, aberto: 47,2 cm; Museu Metropolitano de Arte
Díptico alemão com cenas religiosas; 1300–1325; dourado prateado com esmaltes translúcidos e opacos; Geral (aberto): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Museu Metropolitano de Arte
Página de Très Riches Heures du Duc de Berry descreve o funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 e 1485-1486; Tempera em pergaminho; Altura: 29 cm, largura: 21 cm; Museu Condé (Chantilly, França)
A senhora e o unicórnio, o título dado a uma série de seis tapeçarias tecidas na Flandres, sendo essa chamada à Mon Seul Désir; final do século XV; lã e seda; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
Estátua austríaca de Virgem Entronada; 1490–1500; calcário com gesso, pintado e dourado; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Entrada em Jerusalém; por volta de 1500; quadro; Museu de Belas Artes de Lyon (Lyon, França)
Volas góticas góticas extravagantes do Hôtel de Sens (Paris)
Renascimento
O Renascimento é caracterizado por um foco nas artes da Grécia e Roma antigas, o que levou a muitas mudanças nos aspectos técnicos da pintura e da escultura, bem como ao seu assunto. Tudo começou na Itália, um país rico em patrimônio romano e prosperidade material para financiar artistas. Durante o Renascimento, os pintores começaram a melhorar o realismo de seu trabalho usando novas técnicas de perspectiva, representando assim três dimensões com mais autenticamente. Os artistas também começaram a usar novas técnicas na manipulação da luz e da escuridão, como o contraste de tom evidente em muitos retratos de Ticiano e no desenvolvimento de Sfumato e Chiaroscuro por Leonardo da Vinci. Os escultores também começaram a redescobrir muitas técnicas antigas, como o Contrapapsto. Seguindo o espírito humanista da época, a arte se tornou mais secular no assunto, representando a mitologia antiga, além dos temas cristãos. Esse gênero de arte é frequentemente referido como classicismo renascentista. No norte, a inovação renascentista mais importante foi o uso generalizado de tintas a óleo, o que permitia maior cor e intensidade.
Do gótico ao renascimento
Durante o final do século XIII e o início do século XIV, grande parte da pintura na Itália era de caráter bizantina, principalmente a de Duccio de Siena e Cimabue de Florença, enquanto Pietro Cavallini em Roma era mais gótico em estilo. Durante o século XIII, os escultores italianos começaram a se inspirar não apenas dos protótipos medievais, mas também de obras antigas.
Em 1290, Giotto começou a pintar de uma maneira menos tradicional e mais baseada na observação da natureza. Seu famoso ciclo na capela de Scrovegni, Pádua, é visto como o início de um estilo renascentista.
Outros pintores do século 14 foram levados o estilo gótico para grande elaboração e detalhes. Notáveis entre esses pintores são Simone Martini e Gentile Da Fabriano.
Na Holanda, a técnica de pintura em óleos e não tempera levou a uma forma de elaboração que não dependia da aplicação de folhas de ouro e gravação, mas na representação minuciosa do mundo natural. A arte de pintar texturas com grande realismo evoluiu neste momento. Pintores holandeses como Jan Van Eyck e Hugo Van Der Goes teriam grande influência na pintura gótica e renascentista tardia.
Renascença inicial
As idéias do Renascença surgiram pela primeira vez na cidade-estado de Florença, Itália. O escultor Donatello retornou a técnicas clássicas, como contratos e assuntos clássicos, como o nude não suportado-sua segunda escultura de Davi foi o primeiro nu de bronze livre criado na Europa desde o Império Romano. O escultor e arquiteto Brunelleschi estudou as idéias arquitetônicas dos antigos edifícios romanos para inspiração. Masaccio aperfeiçoou elementos como composição, expressão individual e forma humana para pintar afrescos, especialmente os da capela de Brancacci, de elegância, drama e emoção surpreendentes.
Um número notável desses principais artistas trabalhou em diferentes partes da Catedral de Florença. A cúpula de Brunelleschi para a Catedral foi uma das primeiras inovações arquitetônicas verdadeiramente revolucionárias desde o contraforte voador gótico. Donatello criou muitas de suas esculturas. Giotto e Lorenzo Ghiberti também contribuíram para a Catedral.
Púlpito; por Nicola Pisano; 1265-1268; mármore; Altura: 4,6 m; Pisa Baptistery (Itália)
Crucifixo; por cimabue; por volta de 1285; Tempera no painel; 4,29 x 3,83 m; San Domenico (Arezzo, Itália)
Crucifixo; Giotto; por volta de 1300; Tempera no painel; 5,78 x 4,06 m; Santa Maria Novella (Florence, Itália)
O retábulo do maestà; por Duccio; 1308–1311; Tempera no painel; 2,46 x 4,67 m; Museo dell'opera del Duomo (Siena, Itália)
Alto Renascença
Artistas renascentistas incluem figuras como Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Raffaello Sanzio.
Os desenvolvimentos artísticos do século XV na Itália (por exemplo, o interesse em sistemas perspectivos, na descrição de anatomia e nas culturas clássicas) amadureceu durante o século XVI, representando as designações "Renascimento inicial" para o século e "alto renascimento" para o século XVI. Embora nenhum estilo singular caracterize o alto renascimento, a arte dos mais intimamente associados a esse período - Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo e Ticiano - explica um domínio surpreendente, tanto técnico quanto estético. Artistas renascentistas de alto ano criaram obras de tal autoridade que gerações de artistas posteriores confiam nessas obras de arte para instrução. Essas criações artísticas exemplares elevaram ainda mais o prestígio dos artistas. Os artistas poderiam reivindicar inspiração divina, aumentando a arte visual a um status anteriormente dado apenas à poesia. Assim, pintores, escultores e arquitetos surgiram, reivindicando com sucesso por seu trabalho em alta posição entre as artes plásticas. Em certo sentido, os mestres do século XVI criaram uma nova profissão com seus próprios direitos de expressão e seu próprio caráter venerável.
O tempietto (em direção a 1502-1510) em um pátio estreito do San Pietro em Montorio de Roma
David; por Michelangelo; 1501–1504; mármore; 517 cm × 199 cm; Galleria dell'Accademia (Florença)
Monalisa; por Leonardo da Vinci; c. 1503–1506, talvez continuando até c. 1517; óleo no painel de álamo; 77 cm × 53 cm; Louvre
A Escola de Atenas; por Raphael; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palácio Apostólico (Cidade do Vaticano)
Arte do norte até o Renascença
A pintura da Holanda do início se desenvolveu (mas não inventou estritamente) a técnica de pintura a óleo para permitir um maior controle na pintura de detalhes minuciosos com o realismo - Jan Van Eyck (1366-1441) era uma figura no movimento de manuscritos iluminados para pinturas de painéis.
Hieronymus Bosch (1450? –1516), um pintor holandês, é outra figura importante no Renascimento do Norte. Em suas pinturas, ele usou temas religiosos, mas os combinou com fantasias grotescas, imagens coloridas e lendas populares. Suas pinturas geralmente refletem a confusão e a angústia associadas ao fim da Idade Média.
Albrecht Dürer apresentou o estilo renascentista italiano à Alemanha no final do século XV e dominou a arte renascentista alemã.
Período de tempo:
Italian Renaissance: Late 14th century to Early 16th centuryNorthern Renaissance: 16th century
O retábulo Ghent; por Jan e Hubert Van Eyck; 1432; óleo sobre madeira de carvalho; 3,4 m × 4,6 m (aberto como nesta imagem); Catedral de São Bavo (Ghent, Bélgica)
O retrato de Arnolfini; por Jan Van Eyck; 1434; óleo no painel; 82,2 x 60 cm; Galeria Nacional (Londres)
A descida da cruz; por Rogier van der Weyden; por volta de 1442; óleo no painel de carvalho; 220 × 262 cm; Museo del Prado (Madri, Espanha)
O jardim das delícias terrenas; por Hieronymus Bosch; c. 1504; óleo no painel; 2,2 × 1,95 m - o painel central; Museo del Prado
Os rinocerontes; por Albrecht Dürer; 1515; xilogravura; 23,5 cm × 29,8 cm; Galeria Nacional de Arte (Washington, DC)
Os embaixadores; por Hans Holbein, o mais jovem; 1533; óleo no painel; 2,07 × 2,09; Galeria Nacional (Londres)
A armadura do desfile de Henrique II da França; por Étienne Delaune; por volta de 1555; aço perseguido; Altura: 187,96 cm, peso: 24,2 kg; Museu de Arte Metropolitano (cidade de Nova York)
A torre de Babel; por Pieter Bruegel, o Velho; 1563; óleo no painel: 1,14 × 1,55 cm; Museu Kunsthistorisches (Viena, Áustria)
Maneirismo, barroco e rococó
Na arte européia, o clássico renascentista gerou dois movimentos diferentes - manoberismo e barroco. O maneirismo, uma reação contra a perfeição idealista do classicismo, empregou distorção de estruturas de luz e espacial, a fim de enfatizar o conteúdo emocional de uma pintura e as emoções do pintor. O trabalho de El Greco é um exemplo particularmente claro de maneirismo na pintura durante o final do século XVI, início do século XVII. O maneirismo do norte levou mais tempo para se desenvolver e foi em grande parte um movimento da última metade do século XVI. A arte barroca levou o representacionalismo do Renascimento a novos patamares, enfatizando detalhes, movimento, iluminação e drama em sua busca por beleza. Talvez os pintores barrocos mais conhecidos sejam Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens e Diego Velázquez.
Uma arte bastante diferente desenvolveu-se a partir das tradições realistas do norte na pintura holandesa da Idade de Ouro do século XVII, que tinha muito pouca arte religiosa, e pouca pintura de história, em vez disso, desempenhando um papel crucial no desenvolvimento de gêneros seculares, como a natureza morta, pinturas de gêneros de cenas cotidianas e pintura paisagística. Enquanto a natureza barroca da arte de Rembrandt é clara, a gravadora é menos usada para Vermeer e muitos outros artistas holandeses. A pintura barroca flamenga compartilhou parte dessa tendência, enquanto continuava a produzir as categorias tradicionais.
A arte barroca é frequentemente vista como parte da contra-reforma-o elemento artístico do renascimento da vida espiritual na Igreja Católica Romana. Além disso, a ênfase de que a arte barroca colocada na grandeza é vista como absolutista por natureza. Os temas religiosos e políticos foram amplamente explorados no contexto artístico barroco, e pinturas e esculturas foram caracterizadas por um forte elemento de drama, emoção e teatricidade. Artistas barrocos famosos incluem Caravaggio ou Rubens. Artemisia Gentileschi foi outro artista digno de nota, inspirado pelo estilo de Caravaggio. A arte barroca era particularmente ornamentada e elaborada por natureza, muitas vezes usando cores ricas e quentes com tons escuros. Pomp e grandeza eram elementos importantes do movimento artístico barroco em geral, como pode ser visto quando Louis Xiv disse: "Eu sou grandeza encarnada"; Muitos artistas barrocos serviram reis que tentaram alcançar esse objetivo. A arte barroca de várias maneiras era semelhante à arte renascentista; De fato, o termo foi inicialmente usado de maneira depreciativa para descrever a arte e a arquitetura pós-renascentista, que eram excessivamente elaboradas. A arte barroca pode ser vista como uma re-adaptação mais elaborada e dramática da arte renascentista tardia.
No século XVIII, no entanto, a arte barroca estava caindo da moda, pois muitos a consideravam muito melodramática e também sombria, e se transformou no rococó, que emergiu na França. A arte de Rococo era ainda mais elaborada do que o barroco, mas era menos sério e mais divertido. Enquanto o barroco usava cores ricas e fortes, o Rococo usava tons pálidos e cremosos. O movimento artístico não colocou mais ênfase na política e na religião, concentrando -se em temas mais leves, como romance, celebração e apreciação da natureza. A arte do Rococo também contrastava o barroco, pois muitas vezes recusava simetria em favor de desenhos assimétricos. Além disso, procurou inspiração nas formas artísticas e na ornamentação da Ásia do Extremo Oriente, resultando na ascensão a favor das estatuetas de porcelana e da Chinoiserie em geral. O estilo do século 18 floresceu por um tempo; No entanto, o estilo Rococo logo caiu em desuso, sendo visto por muitos como um movimento berrante e superficial enfatizando a estética sobre o significado. O neoclassicismo de muitas maneiras se desenvolveu como um contra -movimento do rococó, sendo o ímpeto um sentimento de nojo direcionado às qualidades floridas deste último.
Maneirismo (século XVI)
Sepultamento; por Jacopo da Pontormo; 1525-1528; óleo no painel; 3,12 x 1,9 m; Santa Felicita (Florence, Itália)
Madonna com o pescoço longo; por Parmigianino; 1534-1540; óleo no painel; 2,19 x 1,32 m; Galeria Uffizi (Florence)
Vênus, Cupido, loucura e tempo; por Bronzino; meados da década de 1540; óleo no painel; 1,46 x 1,16 m; Galeria Nacional (Londres)
Verão; por Giuseppe Arcimboldo; 1563; óleo no painel; 67 x 50,8 cm; Museu Kunsthistorisches (Viena, Áustria)
Barroca (início do século XVII a meados do século XVIII)
Os quatro continentes; por Peter Paul Rubens; por volta de 1615; óleo sobre tela; 209 x 284 cm; Museu Kunsthistorisches (Viena, Áustria)
Guarda -roupa holandês; 1625-1650; Oak com facetas de ébano e pau -rosa; Geral: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museu de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EUA)
A vigilância noturna; por Rembrandt; 1642; óleo sobre tela; 363 × 437 cm; Rijksmuseum (Amsterdã, Holanda)
O êxtase de São Teresa; por Gian Lorenzo Bernini; 1647-1652; mármore; Altura: 3,5 m; Santa Maria Della Vittoria (Roma)
Las meninas; por Diego Velázquez; 1656-1657; óleo sobre tela; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madri, Espanha)
A entrada do Palácio de Versalhes (Versalhes, França), o edifício barroco mais icônico
O busto de Luís XIV; por Gian Lorenzo Bernini; 1665; mármore; 105 × 99 × 46 cm; palácio de Versailles
A arte da pintura; por Johannes Vermeer; 1666-1668; óleo sobre tela; 1,3 x 1,1 m; Museu Kunsthistorisches
Tapete com fama e fortaleza; 1668-1685; Pilha de lã atada e cortada, tecida com cerca de 90 nós por polegada quadrada; 909,3 x 459,7 cm; Museu Metropolitano de Arte
Dome da Igreja de Gesù (Roma), feita em 1674 por Giovanni Battista Gaulli
O retrato de Luís XIV; por Hyacinthe Rigaud; 1701; óleo sobre tela; 277 × 194 cm; Louvre
O Karlskirche em Viena (Áustria), construído entre 1716 e 1737
Rococo (início do século XVIII)
A Casa Chinesa, um pavilhão de jardim Chinoiserie em Sanssouci Park, de Potsdam (Alemanha)
O incrível interior da abadia Wilhering (Wilhering, Áustria). Este interior tem um trompe-l'il em seu teto, cercado de estucos altamente decorados
Boiserie do Hôtel de Varengeville; por volta de 1736-1752; vários materiais, incluindo carvalho esculpido, pintado e dourado; Altura: 5,58 m, largura: 7,07 m, comprimento: 12,36 m; No Metropolitan Museum of Art (cidade de Nova York)
Impressão de título; por Juste Meissonnier; 1738–1749; gravação no papel; 51,6 x 34,9 cm; Rijksmuseum
Par de candelabros; século 18; Porcelana de pasta macia; alturas (a esquerda): 26,8 cm, (a direita): 26,4 cm; pela fábrica de porcelana Chelsea; Museu Metropolitano de Arte
Sr. e Sra. Andrews; por Thomas Gainsborough; por volta de 1750; óleo sobre tela; 69,8 x 119,4 cm; Galeria Nacional (Londres)
Madame de Pompadour; por François Boucher; 1756; óleo sobre tela; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek (Munique, Alemanha)
O balanço; por Jean-Honoré Fragonard; 1767-1768; óleo sobre tela; Altura: 81 cm, largura: 64 cm; Coleção Wallace (Londres)
Neoclassismo, romantismo, academismo e realismo
Ao longo do século XVIII, um balcão que se opõe ao rococó surgiu em diferentes partes da Europa, comumente conhecido como neoclassicismo. Ele desprezava a superficialidade e a frivolidade percebida da arte de Rococo, e desejava um retorno à simplicidade, ordem e 'purismo' da antiguidade clássica, especialmente a Grécia e a Roma. O movimento foi em parte também influenciado pelo Renascimento, que por si só foi fortemente influenciado pela arte clássica. O neoclassicismo era o componente artístico do movimento intelectual conhecido como Iluminismo; A iluminação era idealista e enfatizou a objetividade, a razão e a verdade empírica. O neoclassicismo havia se espalhado na Europa ao longo do século XVIII, especialmente no Reino Unido, que viu grandes obras de arquitetura neoclássica surgirem durante esse período; O fascínio do neoclassicismo pela antiguidade clássica pode ser visto na popularidade da grande turnê durante esta década, onde aristocratas ricos viajaram para as antigas ruínas da Itália e da Grécia. No entanto, um momento decisivo para o neoclassicismo ocorreu durante a Revolução Francesa no final do século XVIII; Na França, a arte de Rococo foi substituída pela arte neoclássica preferida, que era vista como mais grave que o movimento anterior. De muitas maneiras, o neoclassicismo pode ser visto como um movimento político, bem como artístico e cultural. A arte neoclássica enfatiza a ordem, a simetria e a simplicidade clássica; Os temas comuns na arte neoclássica incluem coragem e guerra, como eram comumente explorados na arte grega e romana antiga. Ingres, Canova e Jacques-Louis David estão entre os neoclassicistas mais conhecidos.
Assim como o maneirismo rejeitou o classicismo, o romantismo também rejeitou as idéias do Iluminismo e a estética dos neoclassicistas. O romantismo rejeitou a natureza altamente objetiva e ordenada